clédesol

Apprendre un texte, apprendre à jouer.

2012-01-29T00:40:00.001+01:00

Voici l'extrait d'un entretien donné par François Cluzet. Il y décrit notamment sa manière d'apprendre un texte, et sa conception du jeu.
Je l'adresse notamment aux musiciens, en espérant qu'il nourrira leurs propres réflexions.

"Je tiens de Jean-Laurent Cochet un exercice essentiel: "marcher" le texte, c'est-à-dire en prononcer toutes les syllabes en avançant, reculant et changeant tout le temps de mouvement. Le texte que j'ai d'abord lu et relu, voire recopié, devient évidemment incompréhensible, mais chaque membre du corps s'en est emparé: il s'est fondu en vous. On ne doit pas apprendre avec une intention de jeu, sinon on n'est plus capable de rien modifier sur le plateau. On est coincé."

"Graduer les émotions d'un personnage m'amuse; veiller à ne pas faire avec lui de contresens. C'est ma petite intelligence à moi. La comédienne Christine Murillo, qui m'a vraiment donné envie d'être artiste, m'a raconté que Jean-Paul Roussillon, lorsqu'il la mettait en scène à la Comédie-Française, lui disait constamment: "C'est peut-être ça...ou son contraire!". De toute façon, ce n'est pas ce qu'on a à dire qui importe, mais ce qu'on vit sur le plateau, de cinéma ou de théâtre. Alors je me débrouille pour que tout le monde ait envie de jouer. Comme dans une cours de récré".

"Avant chaque tournage, je demande que les comédiens travaillent d'abord "à la table", comme au théâtre; c'est-à-dire lisent ensemble le scénario, le commentent. Le talent ne naît pas du malaise qu'on parvient ou non à créer chez l'autre, mais du bonheur. C'est le bonheur qui donne l'énergie".

Extrait de "L'acteur François Cluzet" entretien donné à Jean-François Robert paru dans Télérama 3236.
Détails de calligraphies chinoises.

Bienvenue à l'année du Dragon!

2012-01-23T00:20:00.005+01:00

Dragon, détail d'un temple à Taipei

à Taipei (Taiwan)

2012-01-22T22:45:00.001+01:00

Les rues de Taipei, en technicolor!

Concertstück pour clarinette et piano, de Raymond Gallois-Montbrun.

2012-01-16T00:24:00.007+01:00

Le violoniste et compositeur Raymond Gallois-Montbrun (1918-1994) a fait ses études au Conservatoire de Paris entre 1930 et 1942. Il a obtenu les premiers Prix de violon, harmonie, fugue et contrepoint, et composition.
Il a gagné le Grand Prix de Rome de composition musicale avec la cantate Louise de la Miséricorde.
Parallèlement à la composition, il a mené une carrière de violoniste, notamment comme chambriste avec le pianiste Pierre Sancan.
Il fut ensuite directeur du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris de 1962 à 1683, où il créa de nombreuses classes ainsi que le cycle d'études de perfectionnement.

Gallois-Montbrun (1918-1994)

Dans son catalogue, on trouve quelques pièces pour clarinette:
- Concerto pour clarinette et orchestre (inédit)
- Concertstück pout clarinette et piano (Leduc, 1946)
- Humoresque pour clarinette et piano (Leduc)
- 6 pièces musicales d'étude (Leduc, 1955)

Le Concertstück pour clarinette et piano a été composé pour le Concours du Conservatoire National de Musique de Paris en 1946, avec une dédicace "En amical hommage à Mr Auguste Périer, Professeur au Conservatoire".
Auguste Périer (1883-1947) fut clarinette solo à l'Opéra-Comique. Réputé pour sa technique éblouissante et un staccato remarquable, il fut professeur au Conservatoire de Paris de 1919 à 1947. On lui doit des cahiers d'études et des exercices journaliers. Camille Saint-Saëns lui a dédié sa sonate pour clarinette et piano (1921).

Auguste Périer (1883-1947)

Le Concertstück de Gallois-Montbrun est édité chez Leduc.

Voici quelques fautes d'édition à corriger:
Au début de la cadence, le dernier groupe de la mesure ci-dessous est bien en doubles-croches:

Dans la deuxième mesure après "B", jouer un mi# :

Sixième mesure après "C", la deuxième note est bien un fa#:

Marquez une respiration à "F", ainsi que la nuance PP:

3ème et 5ème mesures de "K", jouez ré bécarre:

Sixième mesure après "L", deuxième temps, jouez un ré#:

Fragments musicaux extraits du Concertstück de Gallois-Montbrun, publié aux éditions Leduc.

Le "deungsan", ou la Corée du Sud en marche.

2012-01-09T22:26:00.017+01:00

" La montagne et les Coréens ne font qu'un. Avec 70% de zones montagneuses, peu de chances de rester sur du plat. Partout des vallons, des collines, des montagnes en vagues successives, en échos répétés. Où que vous soyez, la terre ne reste pas plate: elle s'élève et mange une partie du ciel."

"D'innombrables sentiers sillonnent les montagnes et ,sur ces sentiers, la foule de randonneurs, un peuple itinérant, celui des habitués du deungsan. Ce mot, qui veut tout simplement dire "monter" (deung) à la "montagne" (san), renvoie à une activité à mi-chemin entre la randonnée et l'escalade professionnelle. Le deungsan c'est une promenade mais une promenade de tous les efforts, un sport de l’extrême, la norme en Corée. Les "deungsaneurs" sont nombreux à Séoul, capitale idéale pour qui aime faire de la randonnée. Depuis son expansion au sud du fleuve Han dans les années 1970, Séoul a pris dans ses filets une multitude de montagnes qui sont devenues des lieux de rendez-vous pour des milliers de marcheurs."

Bukhansan National Park, Séoul

" Les Coréens qui marchent en montagne le font en tout premier lieu pour la santé, soit qu'ils veuillent la garder, soit qu'ils désirent la retrouver. Ils se plongent dans la nature et se laissent pénétrer par le ki (énergie vitale) qui se dégage de la terre, des rochers et des arbres."

Séoul, vu des "montagnes du nord"

" Quand ils partent en randonnée, les Coréens ont toujours un parcours en tête comportant un nombre précis de kilomètres à couvrir dans un temps déterminé pour que l'effort physique fourni ait un effet bénéfique. Jamais ils ne se lancent avec l'idée qu'ils rencontreront peut-être un paysage exceptionnel qui leur donnera envie de s'arrêter et de passer quelques heures sur place à ne rien faire. En résumé, on va en montagne pour marcher et, si on n'aime pas la marche, on ne va pas en montagne."

"Quand on habite Paris, on se promène au bois de Boulogne ou au bois de Vincennes. Quand on habite Séoul, on grimpe dans les montagnes de Bukhansan, d'Inwangsan, de Namsan, de Myeongjisan, de Cheong-gyesan, pour n'en nommer que quelques-unes. A la promenade tranquille s'oppose la marche intrépide. A la nonchalance, la vivacité. Le sourire moqueur que l'on pourrait avoir aux lèvres à la vue des centaines d'"alpinistes" sortant des bouches de métro, équipés jusqu'aux dents comme s'ils partaient à la conquête du Mont-Blanc ou d'un sommet caché de l'Himalaya disparait lorsque, en l'espace de quelques minutes, on se voit distancé de plusieurs dizaines de mètres par ces marcheurs endurcis. Le froid, la neige, la pluie, la chaleur, rien ne les arrête. Et plus les conditions météorologiques sont dissuasives, plus grande est leur détermination."

Hyangnobong Peak, Séoul

" En Corée, rien de plus festif que l'après deungsan. Après l'effort physique, le défoulement des sens. Quand on est coréen, on ne prolonge pas une journée de marche par une soirée contemplative à admirer la voûte étoilée du ciel pas plus qu'on ne la conclut par la lecture tranquille d'un ouvrage, confortablement assis dans un bon fauteuil. Au contraire, le corps exulte et l'on est prêt à s'enivrer des plaisirs de la vie, à faire la fête autour d'un verre de makgeolli (alcool de riz fermenté, doux et laiteux) ou de soju."

Texte extrait de "Scènes de vie en Corée" de Martine Prost, L'Asiathèque 2011.

Mes meilleurs vœux pour 2012

2012-01-01T13:59:00.012+01:00

que cette nouvelle année vous apporte la santé
qu'elle soit emplie de beauté
d'émotion
de sourires
et de tendresse
photos prises au Musée du Louvre à Paris.

Guillaume CONNESSON, CD + DVD

2011-12-29T00:30:00.000+01:00

Constellations, musique de chambre de Guillaume CONNESSON en CD+DVD, aux éditions Classical Social Club

Guillaume Connesson (compositeur) au Louisiana Museum of Modern Art (Danemark)

Sergey Malov (violon) et Stéphan Aubé (réalisateur)

installation d'une micro-caméra sur le pavillon de la clarinette

musique de chambre de Guillaume Connesson, avec Jérôme Pernoo (violoncelle)

Les Bons Becs en CD chez Decca

2011-12-28T09:04:00.001+01:00

"Musical Getaway", Sung-Won Yang (violoncelle) et les Bons Becs, un disque Decca (Universal Music Korea)

à Séoul (Corée du Sud)

2011-12-28T00:31:00.004+01:00

Un soir, au pays du matin calme, sur les bords du fleuve Han.

Sonate arpeggione pour clarinette en la et piano, Franz Schubert.

2011-12-24T00:36:00.000+01:00

En 1823, un luthier viennois nommé Johann Georg Staufer met au point un instrument dérivé de la viole de gambe: l'arpeggione.

L'arpeggione instrument à 6 cordes accordées comme une guitare, et joué avec un archet. Il fut quelquefois appelé guitare-violoncelle, ou guitare à archet et eut une existence éphémère.

Il semble que ce soit Staufer lui-même qui passa commande de cette sonate en la mineur à Franz Schubert en novembre 1824. Le virtuose Vincenz Schuster, prosélyte de l'instrument, en donna l'exécution avec Schubert au piano.

La transcription que j'ai réalisée pour clarinette en la et piano est éditée chez Billaudot.

En espérant que cette musique sublime vous inspirera!

"Tico- Tico, no fubá" pour clarinette seule

2011-12-05T17:08:00.001+01:00

Rodin, et la conscience immergée.

2011-11-27T10:15:00.001+01:00

Auguste RODIN : Le Secret

Quand le tout jeune Stefan Zweig se rend à Paris, il va, par l'entremise du poète Emile Verhaeren, rencontrer Auguste Rodin.
Invité par le sculpteur dans son atelier de Meudon, Zweig devient le témoin privilégié d'un instant unique, qu'il va relater dans un texte merveilleux.

Auguste RODIN (1840-1917)

"Enfin, le maître me mena devant un socle où se dissimulait sous les linges humides sa dernière œuvre, un portrait de femme. Il se débarrassa de son veston d'intérieur, revêtit sa blouse blanche, saisit une spatule et lissa d'un coup magistral à l'épaule le tendre épiderme de la femme, qui semblait vivre et respirer. Il se recula encore. "Et puis là", murmura-t-il. De nouveau, l'effet était intensifié par une retouche infime. Puis il ne parla plus. Il avançait et reculait, considérait la figure dans un miroir, poussait des grognements, des sons incompréhensibles, changeait, corrigeait. Ses yeux qui, à table, erraient, distraits et pleins d'amabilité, jetaient maintenant de singulières lueurs, il paraissait avoir grandi et rajeuni. Il travaillait, travaillait, travaillait avec toute la passion et toute la force de son corps puissant et lourd; chaque fois qu'il avançait et reculait brusquement, le plancher craquait. Mais il ne l'entendait pas. Il ne remarquait pas que derrière lui se tenait un jeune homme silencieux, le cœur dans la gorge, tout à la félicité de pouvoir regarder un maître aussi unique en train de travailler. Il m'avait complètement oublié. je n'étais plus là pour lui. Seule existait encore la figure, son œuvre, et au-delà, invisible, l'idée de la perfection absolue.

Emile-Antoine BOURDELLE (1861-1929): Rodin travaillant à sa Porte de l'Enfer (1910)

Un quart d'heure se passa ainsi, une demi-heure, je ne saurais dire combien. Les instants les plus grands sont toujours au-delà du temps. Rodin était si absorbé, si plongé dans son travail qu'aucun coup de tonnerre ne l'aurait réveillé. Ses mouvements devenaient de plus en plus brusques, presque furieux. Une sorte de sauvagerie ou d'ivresse s'était emparée de lui. il travaillait de plus en plus vite. Puis ses mains se firent plus hésitantes. Elles semblaient avoir reconnu qu'elles n'avaient plus rien à faire. Une fois, deux fois, trois fois, il se recula, sans plus rien changer. Puis il murmura quelque chose dans sa barbe, replaça délicatement les linges autour de la figure, comme on glisse un châle sur les épaules d'une femme aimée, et respira profondément, détendu. Sa stature sembla de nouveau s'alourdir. Le feu s'était éteint. Alors se produisit pour moi l'incompréhensible, le suprême enseignement: il enleva sa blouse, remit son veston d'intérieur et se disposa à partir. Il m'avait totalement oublié au cours d'une heure d'extrême concentration. Il ne savait plus qu'un jeune homme, qu'il avait pourtant lui-même amené à son atelier pour lui montrer ses œuvres, s'était tenu derrière lui, bouleversé, la respiration suspendue, immobile comme ses statues.

Auguste RODIN: Psyché et l'Amour (détail)

Il gagna la porte. Comme il allait la refermer à clé, il me découvrit et me regarda fixement, presque méchamment: qui était ce jeune inconnu qui s'était glissé dans son atelier? Mais l'instant d'après, il se rappela et vint à moi comme honteux. "Pardon, monsieur", commença-t-il. Je ne le laissai pas poursuivre. Je me bornai à prendre sa main avec reconnaissance; je lui aurais volontiers baisée. Durant cette heure, j’avais vu à découvert le secret éternel de tout grand art et même, à vrai dire, de toute production humaine : la concentration, le rassemblement de toutes les forces, de tous les sens, la faculté de s’abstraire de soi-même, de s’abstraire du monde, qui est le propre de tous les artistes. J'avais appris quelque chose pour la vie»

Stefan Zweig, "Le monde d'hier".

Auguste RODIN : La Terre et la Lune (détail)

D'après les spécialistes, cette plongée corps et âme dans la réalisation de son art, dans une attention pleine et entière, est appelée "conscience immergée".
Cet état particulier de conscience, n'est pas seulement mental, mais global, car il inclue le corps tout entier.
Zweig décrit merveilleusement combien cet état transfigure Rodin, le faisant agir dans un temps dilaté, avec une énergie décuplée, une force créatrice puissante, et comme au-delà de lui-même.
D'une certaine manière, l'observation de cette implication intense et totale de Rodin dans son travail, plonge Zweig lui-même dans un état de conscience immergée .

Auguste RODIN : Les Bourgeois de Calais (détail)

A Colonia Del Sacramento (Uruguay)

2011-11-20T00:02:00.001+01:00

Colonia Del Sacramento est une ville d'Uruguay située sur le rio de la Plata. Au sud, sur la rive opposée, c'est l'Argentine. Buenos Aires est à environ 60 Km.

Le rio de la Plata, à l'heure où le "fleuve d'argent" porte bien son nom.
Son centre historique a un charme hors du temps.

On y ressent les différentes influences du passé: portugaises, espagnoles et brésiliennes.

De Buenos Aires à El Calafate (Argentine)

2011-11-20T00:01:00.002+01:00

Lac de forme et de couleur insolites, vu d'avion.

Lago Argentino, Patagonie argentine

Au glacier Perito Moreno (Argentine)

2011-11-20T00:00:00.000+01:00

Le glacier Perito Moreno, dans la Cordillère des Andes, en Patagonie argentine.

Le poids du papillon, Erri de Luca.

2011-11-06T00:11:00.000+01:00

"L'homme franchit deux cents mètres d'air au-dessous du troupeau. Il ne pouvait le voir, à tant de sauts de roche plus haut. Aucun sens ne lui donnait la certitude qu'il y était. L'espèce humaine est dotée de bien peu de sens. Elle les améliore grâce au résumé de l'intelligence. Le cerveau de l'homme est un ruminant, il remâche les informations des sens, les combine en probabilités. L'homme est ainsi capable de préméditer le temps, de le projeter. C'est aussi sa damnation, car il en retire la certitude de mourir. Ce jour de novembre, l'homme savait qu'il frôlait le terme. Il suivait peut-être le troupeau pour la dernière ou l'avant-dernière fois. L'homme ne supporte pas la fin, une fois qu'il la connaît il pense à autre chose, il espère s'être trompé dans ses prévisions.
Il était normal pour lui de finir dans les rochers, comme un roi des chamois, mais un roitelet. Il sourit, car il savait souffler le cri de l'oiseau dans son harmonica".

Le métier de musicien "classique" exige de l'interprète la maitrise la plus grande afin de pouvoir restituer avec précision tous les éléments d'une partition.
Cela signifie le respect d'une "feuille de route" technique et musicale, élaborée au cours d'heures de travail, grâce "au résumé de l'intelligence" de son cerveau, après avoir "ruminé et remâché les informations des sens".

Paradoxalement, un des enjeux de ce musicien est d'apprendre à ne pas s'enfermer totalement dans une feuille de route préétablie, afin de pouvoir être pleinement disponible et réceptif à l'instant présent.
Car, à force de se projeter dans l'espace et dans le temps, à force d'anticiper chaque geste, on pourrait en oublier d'être là, "ici et maintenant", se privant alors de la possibilité d'attraper l'inattendu au vol.
Déroger l'espace d'un instant à sa feuille de route est un sentiment vertigineux, car laisser une place à l'imprévu peut être perçu comme un risque. Mais il peut être aussi le point de départ d'une émotion unique, d'un instant magique.

Pour un musicien improvisateur, être "ici et maintenant" est évidemment une nécessité absolue.
Ce point de vue est développé dans un très beau billet du musicien Jean-Pierre Chalet: ici

Egliso do Carmo, à Lisbonne.

Dans mes activités créatrices, j'ai appris à ne pas tout verrouiller au plus vite, à laisser des espaces ouverts, à laisser le temps faire son œuvre.
Il est souvent plus rassurant de tout "blinder", de se donner le sentiment qu'il n'y a aucune faille. Mais cela est aussi notre limite.
Car c'est l'expression de la peur, la peur d'un détail non-contrôlé qui serait synonyme de danger.

La peur que le simple poids d'un papillon ne fasse s'écrouler tout l'édifice.

La vida breve...olé!

2011-10-30T00:05:00.001+02:00

Les notes de musique.

2011-10-15T00:01:00.002+02:00

Le moine bénédictin italien Guido d'Arezzo (992-1050) est à l'origine du système de notation et de dénomination des notes de musique tel que nous le pratiquons.
Il a nommé les 6 notes de l'hexacorde qu'il venait de créer d'après les premières syllabes de la première strophe de l'Hymne à Saint-Jean Baptiste, écrit au IXè siècle par le poète Paul Diacre:

Ut queant laxis

Resonare fibris

Mira gestorum

Famuli tuorum,

Solve polluti

Labii reatum,

« Afin que tes serviteurs puissent chanter à gorge déployée tes accomplissements merveilleux, ôte le pêché de leurs lèvres souillées»

Le "si" a été ajouté à la fin du XVIè siècle par Anselme de Flandres, qui compléta le texte par "Saint-Jean":

Sancte Ioannes.

Au XVIIè siècle, Giovanni Battista Doni remplaça ut par do, de solmisation plus aisée.

Les pays anglo-saxons ont quant à eux conservé un système issu d'une tradition grecque de nommer les notes par les lettres de l'alphabet: ainsi le A désigne le la, le C désigne le do.

Par ce système de notation, Jean-Sébastien BACH a mis son propre nom en musique, "B,A,C,H" donnant ainsi "sib,la,do,si".
Schumann, Liszt, Reger, Poulenc et bien d'autres compositeurs vont utiliser cette "signature musicale" pour lui rendre hommage.
Voici la Fantaisie et fugue sur Bach, op 46 de Max Reger. On entend notamment ces fameuses notes à 47" du début:

C'est aussi avec ce principe de correspondance entre les lettres et les notes de musique que Guillaume Connesson a rendu hommage à John Adams, dans les Adams Variations (A,D,A,M,S/la,ré,la,fa,mi) :

Ce principe de "signature" trouve un équivalent cinématographique avec le caméo.
Le caméo désigne l'apparition brève d'une personnalité (ou du réalisateur lui-même) au milieu d'un film.
C'est une des signatures d'Alfred Hitchcock.
C'est ainsi que le réalisateur apparait lui-même avec un étui de violon à la main dans La maison du docteur Edwardes (1945), un violoncelle sous le bras dans Le procès Paradine (1947), un étui de contrebasse dans L'inconnu du Nord-Express (1951), et un étui de clairon dans Sueurs froides (1958).

Hitchcock et sa contrebasse, dans L'inconnu du Nord-Express

Ce procédé trouve aussi son équivalent dans le monde de la bande dessinée. Uderzo et Goscinny ont largement utilisé ces clins d'œil au fil des aventures d'Astérix.
On peut notamment y croiser Sean Connery, Jacques Chirac, Achille Talon, et bien-sûr, Uderzo et Goscinny eux-mêmes.
Bernard Blier, personnage inattendu de "L'odyssée d'Astérix", éditions Albert René.

Hommage à Henri Druart

2011-09-29T17:47:00.002+02:00

Le clarinettiste Henri Druart (1919-2011) fut 1er Prix du Conservatoire de Paris en 1938, 1er Prix du Concours de Genève en 1947, clarinettiste à la Garde Républicaine, à la Société des Concerts du Conservatoire, puis à l'Orchestre de Paris.

Henri Druart a fondé le Conservatoire Municipal de Rueil-Malmaison (dont il fut directeur), et qui est devenu aujourd'hui Conservatoire à Rayonnement Régional. Ce pédagogue de renom a marqué par son enseignement de très nombreux clarinettistes.

Il joue ici le grand solo de clarinette de "E lucevan le stelle" :

à Qingdao (Chine)

2011-09-22T00:27:00.000+02:00

Qingdao (littéralement "île verte") est une ville chinoise de 9 millions d'habitants, perchée sur la côte sud de la péninsule du Shandong.
Qingdao est des grands ports chinois et ses six plages en font une station estivale recherchée.

Si je vous dis que Qingdao se prononce "Tsingtao", cela rappellera de bons souvenirs aux amateurs de la fameuse bière chinoise produite dans cette ville. La fabrication de la bière est un des héritages de l'administration de la ville par les Allemands au début du XXè siècle. Il en reste aussi quelques maisons de style bavarois, qui vous laissent une impression quelque peu étrange et insolite.

A 40 Km à l'est de Qingdao, se trouve le Lao Shan, une retraite taoïste avec ses temples, cascades et sentiers de randonnée.

dans le temple de Lao-Shan, avec Fan Lei, professeur de clarinette au Conservatoire Central de Pékin

La visite de ce temple n'était qu'une petite pause au milieu des master classes.

En France, il parait que tout se termine par une chanson... en chine c'est plutôt par une partie de ping-pong!

Dans notre rubrique: "découverte des instruments de musique traditionnels", je vous présente l'erhu. Le voici dans un emploi "classique" inattendu:

à Busan (Corée du Sud)

2011-09-13T00:37:00.003+02:00

Busan (ou Pusan selon l'écriture) est la deuxième plus importante ville de Corée du Sud, après la capitale Séoul.
Busan est une des villes portuaires les plus actives au plan mondial.

Le marché de Chagalchi offre, dans ses ruelles étroites, un foisonnement de portraits et de couleurs. Voici quelques vues de ce marché aux poissons:

Plus loin, d'autres quartiers de la ville se développent verticalement de manière impressionnante:

Le samulnori est une musique coréenne de percussions traditionnelles. Littéralement, le samulnori est le "jeu des quatre objets" : Sa (quatre) mul (objet) et nori (jeu).

Les quatre objets en question sont:
- le petit gong, appelé kkwaenggwari
- le grand gong, appelé jing
- le tambour en forme de sablier, appelé janggu
- le tambour "grosse caisse", appelé buk

Ces quatre instruments symbolisent respectivement le tonnerre, le souffle du vent, la pluie et les nuages.

Voici une vidéo avec le maître Kim Duk-Soo (il est au janggu):

"le jazz et la java" version Virtuoso Migrateurs...

2011-09-05T11:55:00.001+02:00

"le jazz et la java", au festival MusicAlp de Courchevel, 17 août 2011.

Chalumeau, Clairon et Suraigu: les registres de la clarinette.

2011-08-26T00:37:00.002+02:00

Aujourd'hui, je vous propose un article un peu pointu... si vous décrochez, n'hésitez pas à passer directement à la vidéo!

Pour commencer, voici un petit rappel d'acoustique.

Un son est constitué d'un son fondamental et d'une série de sons secondaires appelés harmoniques.
La clarinette présente la caractéristique de ne faire entendre que les sons impairs dans la série des harmoniques.
"Faire un canard", c'est faire sortir un de ces harmoniques impairs du son.
Voici la série de "canards" que l'on peut obtenir à partir du son fondamental "do":

Le premier harmonique impair possible sera donc le "sol" (son n°3), situé une douzième plus haut que le son fondamental.
Dans le cas d'une flûte serait le do (son n°2) une octave plus haut.
C'est pour cela que la clarinette a une clé de douzième et non une clé d'octave comme la flûte.

Les sons fondamentaux (l'ensemble des sons n°1) forment le registre grave de la clarinette appelé "chalumeau", et complété par le registre médium constitué des "notes de gorge" :
registre du chalumeau

La première harmonique (son n°3), est à la douzième du son fondamental, et constitue le registre aigu, appelé "clairon". La clé de douzième permet de sélectionner ces harmoniques:
registre du clairon

Le deuxième harmonique (son n°5), est à la dix-septième des sons fondamentaux, et constitue le registre suraigu. En débouchant l'index gauche, on favorise la sélection de ces harmoniques:
registre du suraigu (obtenu à partir du son n°5)

Plus on s'éloigne des sons fondamentaux, plus les harmoniques sont bas, d'où la nécessité dans ce registre suraigu, d'utiliser des clés pour corriger l'intonation (comme la clé n°4).

Dans ce registre, une note peut être obtenue par différents doigtés qui s'appuient sur différents harmoniques.
Dans l'exemple 1, le sol suraigu est le 3è harmonique d'un la grave (soit le son n°7) :

qui est donc un fa# remonté à un sol par le fait de déboucher 2 trous (par la clé n°4 + l'annulaire gauche ouvert).

Dans l'exemple 2, le sol suraigu est le 2è harmonique du mi (soit le son n°5 ):
C'est la base d'un doigté possible dont l'intonation sera affinée grâce par exemple à la clé 5.

Changer de registre est une des difficultés majeures du jeune clarinettiste qui découvre les joies du passage la/si, des douzièmes ou du suraigu.
Cette difficulté existe aussi pour les plus chevronnés. Voici une simple gamme de sol majeur, avec les changements de registres indiqués:

Les passages indiqués sont les plus délicats à négocier pour le legato et le contrôle du son. En particulier dans la descente (où une petite dépression d'air dans l'intervalle du changement de registre sera la bienvenue!)

Voici une expérience avec un robot clarinette.
Tout le début dans le registre du chalumeau se passe bien. Mais dès le premier passage du chalumeau au clairon (à 26'), la sanction est immédiate pour le robot! Tout l'art du clarinettiste est d'arriver à déjouer la difficulté de ces passages de registres grâce à la modulation de la pression de l'air. Ce qui n'est toutefois pas une mince affaire...

Malgré sa grande virtuosité, le robot clarinette n'est pas encore prêt de nous mettre à la retraite!

Les Bons Becs

2011-08-10T19:09:00.000+02:00

étaient en "voyage de notes" au théâtre d'Abbeville dans le cadre du festival de Saint Riquier et de la baie de Somme.

Voici quelques images de la préparation:

de l'installation:

puis de la représentation:

Photos Benjamin Teissèdre
www.comdesimages.com

Le Japon et la musique classique

2011-07-29T00:54:00.001+02:00

jardin du temple Hokokuji à Kamakura

En 1549, le missionnaire jésuite François-Xavier débarque à Kagoshima et entreprend l'évangélisation du Japon.
A sa suite, le père Valignano envoie au pape et à Philippe II une ambassade de quatre chrétiens japonais.
Voici cet épisode historique aux conséquences inattendues raconté par Nicolas Bouvier dans "Chronique japonaise":

"chronique japonaise" de Nicolas Bouvier, éditions "petite bibliothèque Payot"

"Il les choisit jeunes -quatorze ou quinze ans- pour qu'ils supportent mieux les rigueurs du voyage, soient plus impressionnés par le spectacle qu'on leur prépare, et puissent témoigner plus longtemps des merveilles qu'ils ont vues. Et pour donner plus de lustre à ces émissaires, on les présentera à l'Europe comme "fils des rois du Kyushu".
Au printemps 1582, le bateau quitte la côte japonaise.
(...)
Pendant les dix ans que dure l'aller-retour, les premiers Japonais à visiter l'Europe tiennent un journal. On sait ainsi ce qui les frappe et comment ils ont passé leur temps. En route, ces enfants se découvrent une passion qui sera pour le Japon plus durable que celle du Christ: la musique occidentale.
À Macao, pendant neuf mois d'attente, ils font du latin...et travaillent le clavecin, qui semble les ravir. À Cochin, à Gao, où ils sont superbement reçus, encore du latin... et du luth, du hautbois, de l'épinette. Pendant l'interminable circumnavigation d'Afrique ils pêchent des poissons volants...et étudient le contrepoint et l'harmonie, choses qu'ils disent déjà "fort appréciées des Japonais". À Evora, l'archevêque fait célébrer en leur honneur une grand-messe dont les accents polyphoniques ont dû leur faire dresser l'oreille.
(...)
En 1592, les ambassadeurs - ce sont maintenant des hommes - regagnent le Kyushu, couverts des bénédictions les plus hautes.
Dans leurs bagages, Miguel Seïmon, Martin Hara, Mancio Iti et Julien Nakaura ramènent aussi - n'en doutez pas - quelques partitions, quelques instruments de musique, et deviennent à leur insu les précurseurs du Karasiku (la musique classique), cette religion qui règne aujourd'hui sur le Japon des "hi-fi", des "coffee-music" où la Symphonie pathétique ne coûte que vingt yens en sus de la consommation, et dont les prophètes, du bienheureux Palestrina à saint Beethoven, sont entrés tout droit et sans tapage dans l'auguste Panthéon japonais.
Mais c'est le propre des longs voyages que d'en ramener tout autre chose que ce qu'on y allait chercher."

jardin du temple Hokokuji à Kamakura

Jerry Lewis (2)

2011-07-24T00:28:00.001+02:00

"Cute" par le Count Basie Band...so cute!

le jazz et la java, three to get ready

2011-07-17T00:33:00.005+02:00

Le jazz et la java, de Jacques Datin par Claude Nougaro (1962)

est une reprise de Three to get ready de Dave Brubeck (1959)

La musique fait alterner des mesures à 3 et 4 temps, ce qui fait dire à Nougaro que " jazz et java copains, ça doit pouvoir se faire".
On pourrait y ajouter "classique", puisque ce thème est lui-même inspiré d'un menuet de Joseph Haydn!

Jerry Lewis (1)

2011-07-10T23:30:00.004+02:00

ou tout l'art d'une entrée remarquée...

Aaron Copland, Concerto pour clarinette.

2011-06-29T00:16:00.006+02:00

"J'ai quelquefois eu l'étrange sensation d'être divisé en deux, l'austère intellectuel moderniste d'un côté, le compositeur accessible et populaire de l'autre". Aaron Copland

Le compositeur et chef d'orchestre Aaron Copland est né à New-York en 1900 . Tout comme Gershwin (né deux ans plus tôt), il est issu d'une famille modeste d'immigrés juifs de Russie.
En 1921, il vient à Paris pour travailler avec le pianiste Ricardo Viñes. Copland rencontre Nadia Boulanger et , comme de nombreux compositeurs américains à sa suite, il va suivre son enseignement au Conservatoire américain de Fontainebleau. Elle va notamment l'initier à Ravel, Stravinsky et aux musiciens du Groupe des Six. Cette rencontre sera déterminante dans son engagement de compositeur.

Nadia Boulanger (1887-1979) en compagnie d'Igor Stravinsky et Darius Milhaud

De retour aux USA, Copland développe principalement un style néo-classique imprégné d'éléments de folklore américain et sud-américain. La musique est lyrique, et reprend des hymnes et des chansons populaires. Copland se fait connaitre avec deux œuvres fortement inspirées par le jazz, Music for the Theater (1925) et le Concerto pour piano (1926). Puis il établit sa renommée au travers de ballets racontant l'histoire pionnière de l'Ouest américain, dont Billy the kid, une suite orchestrale tirée de The Ballet Caravan (1938), le ballet Rodeo (1942) et surtout Appalachian Spring (1944), écrit pour la compagnie de danse Martha Graham.
El Salon México (1936) est une fantaisie orchestrale, utilisant un pot-pourri d'airs et danses populaires mexicaines.

Aaron Copland (1900-1990)

Copland a aussi manifesté un grand intérêt pour le sérialisme, qu'il a décrit lui-même comme "un nouveau moyen de déplacer les sons qui avait, pour un compositeur, un effet régénérant sur son approche et sa technique". En 1949, bien après les Variations pour piano (1930) et la Short symphony (1934) qui utilisent déjà ce langage, Copland part à Paris. Il compte bien y "débusquer quelques dodécaphonistes". Et c'est Pierre Boulez qu'il va débusquer. Par la suite, le sérialisme va s'imposer dans ses compositions , avec notamment Connotations (1962) et Inscape (1967). Cette dernière fut créée par Leonard Bernstein (à la tête de l'Orchestre Philharmonique de New-York) lors du premier concert télévisé de l'histoire.

Copland a aussi écrit pour le cinéma. En 1949, il a obtenu l'Oscar de la meilleure musique de film pour L'Héritière de William Wyler. On lui doit notamment les musiques de Des souris et des hommes et du Poney rouge de Lewis Milestone, ou encore Au bout de la nuit de Jack Garfein.
Du fait de ses convictions politiques, il fut victime du maccarthysme, son nom rejoignant ceux de Charlie Chaplin, Marlène Dietrich ou encore Orson Welles sur la liste noire du cinéma.

Concerto pour clarinette de Copland
clarinette: Benny Goodman
direction: Aaron Copland

Le concerto pour clarinette et orchestre à cordes (avec harpe et piano), a été composé entre 1947 et 1949. Benny Goodman avait passé commande d'un concerto à Aaron Copland, tout en lui laissant une entière liberté dans l'écriture. La seule demande particulière fut une exclusivité de deux ans, dont Goodman ne profita guère puisque la création n'eut lieu qu'en 1950, à la radio, avec l'orchestre de la NBC sous la direction de Fritz Reiner. Quelques semaines plus tard, l'œuvre fut jouée en public par Ralph McLane avec le Philadelphia Orchestra sous la direction d'Eugene Ormandy. La partition avait été remaniée à la demande de Benny Goodman pour simplification (on peut entendre la première version dans l'enregistrement de Charles Neidich chez Chandos).
Le concerto est en deux mouvements, lent/rapide, reliés par une longue cadence virtuose.
Le premier mouvement , très lyrique, sonne avec ce "bittersweet" (doux-amer) caractéristique de Copland.
Dans son final, le concerto emprunte au jazz certains de ses éléments caractéristiques (accentuations, slap de la contrebasse, glissando final).

"with humour, relaxed" avec une contrebasse en slap

Copland utilise un motif sud américain préalablement exposé dans la cadence. Il semble qu'il l'ait entendu pendant son séjour à Rio de Janeiro en 1947 :

Le final est ludique et plein d'esprit. L'écriture rythmique devient parfois complexe, faisant entendre par exemple du 5/8 dans du 3/4 :

Certains passages ne sont pas sans rappeler l'esprit des cartoons hollywoodiens de Tex Avery :

Voici pour terminer un petit lexique (non exhaustif) des notations anglaises peu courantes que vous trouverez dans le concerto:

plainly: simple et clair, sans détours
perky: guilleret
trifle faster: légèrement plus vite

Grand et spectaculaire glissando final!

Le concerto pour clarinette de Copland est publié aux éditions Boosey & Hawkes

A Poznań, Pologne

2011-06-22T00:28:00.002+02:00

Poznań est la capitale de la voïvodie de Grande Pologne, région à l'ouest de la Pologne. La place du vieux marché (stary rynek) est le centre historique et touristique de Poznań. La voici:

Les festivités de la Saint-Jean, ont donné lieu à ces vues insolites...

A Poznań, mis à part une horde de plombiers polonais, tournevis et clef à molette entre les dents, prêts à déferler sur la France, j'ai croisé de sympathiques personnes, dont les merveilleux musiciens de l'orchestre Amadeus, orchestre de chambre de la radio polonaise, placé sous la direction d'Agnieszka Duczmal.

A Paris, des publicités se font sur les colonnes Morris.

A Poznań sur les ćółónne Mórriś?

Mozart & Ellington

2011-06-16T09:07:00.018+02:00

C'était à Dijon le 9 juin dernier, avec le quatuor Manfred et le Brotherhood Consort, sous la houlette du saxophoniste Raphaël Imbert:

J'ai bien-sûr eu le plaisir de jouer Mozart à la clarinette (dont le magnifique larghetto du quintette K 581, ou la Musique funèbre maçonnique K 477).
Le même plaisir avec les musiques d'Ellington (Black and tan fantasy ou encore Such sweet thunder). Et aussi celui de danser les claquettes sur "David danced before the Lord":

et jouer l'introduction du très beau thème de "My love" à la lame sonore:

Ces dernières pièces sont extraites des "concerts sacrés", composés entre 1965 et 1973. Duke Ellington considérait cette période de composition autour des thèmes religieux comme très importante: "j'ai eu trois éducations: la rue, l'école, la Bible; c'est finalement la Bible qui compte le plus. C'est l'unique livre que nous devrions posséder."

Voici "Heaven", avec le saxophoniste Johnny Hodges et la chanteuse suédoise Alice Babs:

Raymond Devos et la clarinette

2011-06-10T10:30:00.000+02:00

La première fois que j'ai posé les mains sur une clarinette, je ne savais pas où je mettais les pieds!
Raymond Devos

Scie musicale, Lame sonore & Flexatone.

2011-06-01T11:46:00.004+02:00

Des bûcherons argentins, dit-on, auraient découvert qu'en infléchissant d'une certaine manière leur scie égoïne et en la frappant à une place précise, leur outil "chantait".
Courbée en forme de "S", puis frottée en un point précis avec un archet, la lame se met à chanter; et c'est ainsi que la scie devient "musicale".

La scie musicale et la lame sonore (sa variante perfectionnée) font partie des instruments de musique de la famille des idiophones. Celui qui en joue est un "lamiste".
La lame sonore se compose de la lame proprement dite (en acier trempé), de la crosse (ou embase) et d'une manette d'inflexion. Cette dernière permet à la fois de maintenir la courbure en "S" indispensable pour que la lame chante, et de déplacer le "point qui chante", vers le haut de la lame où sa largeur est progressivement plus étroite, donc le son plus aigu, ou vers le bas de la lame, dont la largeur est progressivement plus large produisant donc un son plus grave. Le vibrato s'effectue grâce au mouvement de la jambe droite.

Marlène Dietrich à la lame sonore

Voici ce qu'a écrit le compositeur Henri Sauguet en 1949 à propos de la lame sonore: "Ce nouvel instrument vient ajouter sa noble et belle voix au groupe des instruments chanteurs mis au service de l'expression musicale. Poétique par essence, propre aux sentiments nostalgiques, douloureux, extatiques, mais aussi fait pour la prière et la sérénité".

Le flexatone fait aussi partie des instruments de cette famille des idiophones, c'est-à-dire des instruments dont le matériau lui-même produit le son.
Voici un extrait du concerto pour piano de Khatchaturian. A 2'38, vous entendrez un grand solo de flexatone.

Ce solo est souvent joué à la lame sonore; elle le rend encore plus étrange et beau!

Isaac Stern, grand art

2011-05-26T08:45:00.003+02:00

(cliquez sur le titre de la vidéo pour un affichage complet)

A Okinawa, Japon

2011-05-20T00:18:00.001+02:00

L'île d'Okinawa fait partie de l'archipel japonais Ryūkyū (Nansei), entre les îles Kyūshū au nord et Taïwan au sud. L'archipel est bordé à l'ouest par la mer de Chine orientale et à l'est par la mer des Philippines.

Le royaume de Ryūkyū a été annexé par l'empire du Japon en 1879, sous l'ère Meiji. Pendant le Seconde Guerre mondiale, ces îles furent le théâtre de combats acharnés entre les forces américaines et japonaises. Placé à la fin de la guerre sous administration américaine, l'archipel est revenu sous contrôle japonais en 1972.

La porte Shureimon, château Shurijo à Naha, Okinawa

Intérieur du château Shurijo à Naha, Okinawa

La ClarinetFest 2011 s'est déroulée à Okinawa, réunissant de très nombreux clarinettistes.
Voici quelques photos de ces musiciens heureux...

studieux...
et complices.

Bien-sûr, vous n'échapperez pas au fameux "signe de la paix":

car si vous demandez à un jeune japonais pourquoi il fait ce signe V avec ses doigts quand vous le prenez en photo,

il vous regardera d'un air surpris et vous demandera à son tour si tout le monde ne fait pas ainsi?!

A Kamakura, Japon

2011-05-11T00:28:00.002+02:00

Pour vous rendre à Kamakura, prenez le train à Tokyo-Shinjuku.

Pendant le trajet, vous serez sûrement entourés d'hommes d'affaires en cravates, assoupis ou travaillant encore. Vous croiserez des enfants en uniforme d'écolier et de jeunes nippones en bottines, mini short et maxi chaussettes (jusqu'au dessus des genoux). Au-dessus des masques blancs, les paires d' yeux seront vraisemblablement rivées à l'écran d'un téléphone portable souvent rose et customisé. Vous rencontrerez peut-être quelques créatures victimes de la mode, mi-lolita, mi-gothique.

Arrivé à Kamakura, dirigez-vous vers Daibutsu, le grand Bouddha. Construit en 1252, il mesure 13,4 mètres.

Il fut reconstruit en 1369, après avoir été détruit par un tsunami.

Début avril, vous aurez le bonheur de voir les cerisiers en fleur. La floraison commence en janvier à Okinawa, au sud du Japon, et progresse ensuite vers le nord. Vous pouvez suivre le front de floraison des cerisiers, le "sakura zensen" grâce à la "météo des cerisiers" du journal télévisé.

Si vous vous demandez pourquoi la chanson traditionnelle "sakura sakura" est triste, et bien c'est sûrement parce que pour un japonais, la fleur de cerisier symbolise la vie, belle mais éphémère.

En 1192, le shogun Minamoto no Yoritomo fit de Kamakura sa capitale. La "période Kamakura" dura jusqu'en 1333.
Dans la ville et les collines environnantes, partez à la découverte des nombreux temples.

Le temple Hase-Dera:

Les bambous du jardin du temple Hokokuji:

sayonara!

L'embouchure du clarinettiste

2011-05-08T19:24:00.003+02:00

"Il y a deux instruments qui sont pires qu'une clarinette:
deux clarinettes."
Ambrose Bierce

caricature d'Honoré Daumier

Voici 4 principes fondamentaux:

1: position du menton plat, commissures des lèvres arrondies autour du bec.

2: l'embouchure ne bouge pas (stabilité à contrôler devant un miroir), en particulier pendant le détaché et dans les grands intervalles.
3: pas de fuites d’air.
4: le son (de base) est plein et droit (comme un son d'orgue). Ce principe est plus en rapport avec le soutien qu'avec l'embouchure proprement dite, mais il complète ce dispositif.

André Messager, solo de concours pour clarinette et piano

2011-05-05T00:23:00.004+02:00

André Messager est un compositeur et chef d'orchestre français né en 1853 et mort en 1929.
Comme compositeur, on lui doit principalement des musiques de ballets (Les deux pigeons en 1886), des opérettes et des opéras bouffes (Véronique en 1898, Monsieur Beaucaire en 1919).
Il est le chef d'orchestre qui créa Pelléas et Mélisande de Claude Debussy.
A l'Opéra de Paris (dont il fut co-directeur de 1908 à 1914), André Messager fit représenter la Tétralogie de Wagner ainsi que Salomé de Richard Strauss.

Le solo de concours d'André Messager (pour clarinette avec accompagnement de piano) a été écrit pour le concours du Conservatoire de Paris de l'année 1899. Le professeur était Cyrille Rose. Louis Cahuzac remporta le 1er Prix (à l'âge de 19 ans).

Le "solo de concours", aux éditions Evette & Schaeffer

Voici quelques indications issues d'une tradition qui se transmet en France.

L'une des grandes controverses agitant le microcosme des clarinettistes concerne la dernière note de la mesure 16.
Finalement, d'après l'homme qui connait l'homme qui a vu l'homme qui a connu Messager, il s'agirait bien d'un ré#:

Voici quelques respirations qui pourront vous être utiles:

Dans l'exemple suivant, la respiration imprimée (après le ré) n'est pas correcte. Suivez celle indiquée ci-dessous, et notez la tradition de faire un point d'orgue sur le do# qui la précède:

Faites de même sur le ré de l'exemple suivant:
Dans la suite de la cadence, les nuances imprimées sont peu claires... je les ai repositionnées dans l'extrait suivant.
Notez le do bémol dans la première descente, et veillez à bien jouer toutes les notes dans la deuxième descente (notamment le do):

Pour la fin de la cadence, voici la place traditionnelle de la respiration. Vérifiez bien les altérations de la montée en croche:
Notez les articulations manquantes dans les éditions Leduc:

et une proposition facultative de respiration:
ainsi que pour le final:
Les exemples sont extraits des éditions Leduc

A propos du système de correction du mi grave...

2011-04-28T00:48:00.005+02:00

Dans un article précédent consacré à l'acoustique de la clarinette (ici), j'ai expliqué la difficulté rencontrée par les luthiers du fait de la différence d'intonation séparant deux notes d'une même douzième.
Les notes graves de l'instrument sont particulièrement affectées par ce phénomène.
La clé de correction du fa grave existe déjà depuis plusieurs années et a permis une grande amélioration. Mais quand on a goûté au plaisir de pouvoir jouer cette note avec une bonne intonation, la correction du mi grave s'impose.
Buffet-Crampon vient de réaliser un système de correction peu encombrant et très simple d'utilisation. Il suffit pour cela de jouer le mi grave à gauche tout en appuyant sur la clé de correction du fa.

système de correction du mi grave, clarinette Tosca Buffet-Crampon

Voici quelques exemples du répertoire où cette correction me parait indispensable:

2ème Concerto de Weber, éditions Henle.

Pour ce début du 2ème concerto de Weber, la correction des fa et mi graves permettra de jouer ces notes pleinement, sans les esquiver.

Il en sera de même pour quelques passages du concerto de Nielsen:

Concerto pour clarinette de Nielsen, éditions W Hansen

Ainsi que pour la première partie du mouvement lent de la sonate de Saint-Saens.
Il est à noter que dans ce cas, la clé du lab grave à gauche est indispensable.

Sonate pour clarinette et piano de Saint-Saens, éditions Durand

Ces corrections s'avèrent particulièrement nécessaires dans la nuance forte, dont on sait qu'elle a tendance a faire baisser l'intonation. Dans des nuances plus douces, les doigtés habituels seront plus adaptés.

Le système est disponible en option sur les clarinettes Buffet-Crampon en sib et la, modèle Tosca.

* pour consulter l'ensemble des 3 articles consacrés à l'intonation, allez fouiller par ici

A Saint-Jacques de Compostelle...

2011-04-26T22:09:00.004+02:00

sur les chemins de Galice, danser la musique pour un bis

et avec les professeurs de clarinette

à la fin une petite leçon de claquettes!

A Vigo...

2011-04-26T22:00:00.009+02:00

"Día del Clarinete"

CSM Vigo

Muchas gracias!

A La Corogne...

2011-04-26T21:38:00.012+02:00

phare de la Tour d'Hercule

"Día del Clarinete",
CPM da Coruña
Encantado!

Maître et disciple

2011-04-25T00:04:00.000+02:00

par Hervé Le Tellier

Le disciple: Maître, je me suis présenté à l'Institut Confucius de Poitiers et j'ai échoué.
Le maître: Présente-toi plutôt à l'Institut Lao Tseu. Selon lui, l'échec est le fondement de la réussite.

Le disciple: Maître, si, selon Lao Tseu, l'échec est le fondement de la réussite et que j'échoue partout, ma réussite est-elle totale?
Le maître: Veux-tu mon pied dans ton fondement, disciple?

Le maître: Je te montre la lune du doigt et tu regardes la lune, disciple.
Le disciple: Vous voudriez que je regarde votre doigt, maître?
Le maître: Cela me permettrait de te faire une remarque, disciple.

Le disciple: Maître, si je me réveille cette nuit, comment savoir si je ne suis pas aveugle?
Le maître: Dors, disciple, il est tard.

Textes extraits de Maître et disciple, de Hervé Le Tellier, la Bibliothèque Oulipienne n°190.

Mozart et la clarinette

2011-04-10T00:00:00.000+02:00

Lors d'un voyage à Mannheim en 1778, Mozart fut impressionné par la "beauté du son des clarinettes" nouvellement introduites au sein de l'orchestre.
En 1789, Mozart compose le Quintette pour clarinette et cordes à l'attention d'Anton Stadler, son frère de loge maçonnique.

La clarinette, officiellement inventée en 1690 par Johann Christoph Denner, est alors un instrument en pleine évolution. Stadler joue un prototype révolutionnaire à cinq clés.
A titre de comparaison, les concerti de Weber, composés seulement vingt ans plus tard, seront interprétés par Heinrich Joseph Baermann sur un instrument à dix clés, déjà bien plus performant.
Mozart, qui a saisi toutes les possibilités expressives de la clarinette, va écrire pour elle ses plus belles pages du répertoire: le concerto k 622, le Kegelstatt-Trio, le quintette avec clarinette K 581, ou des airs d'opéra avec obligato de clarinette.
Voici Parto, ma tu ben mio de la Clémence de Titus:

Dans la deuxième moitié du XVIIIème siècle, les instruments à vent sont en vogue. On peut les entendre aussi bien dans les salons que dans des concerts en plein air.
On voit avoir fleurir une littérature musicale composée d'œuvres originales et de transcriptions.
Mozart raconte dans une lettre à son père que sa Sérénade pour vents K 375 " a eu un plein succès. On l'a jouée en trois endroits différents, pendant cette nuit de la Sainte-Thérèse. Dès qu'ils l'avaient achevée en un lieu, on les emmenait et on les payait dans un autre".
Dans cette vie musicale animée, les instrumentistes à vent, souvent par ailleurs d'excellents facteurs, arrangent eux-mêmes de nombreuses partitions. On peut citer par exemple le Don Giovanni pour Harmoniemusik du hautboïste Josef Triebensee.
Voici "Der Vogelfänger" extrait de La flûte enchantée (transcription de J. Heidenreich) par l'Ensemble Maurice Bourgue:

Chez Mozart, la transcription peut être didactique, comme par exemple quand il adapte pour cordes certaines fugues de Bach. Mais elle est souvent pragmatique, comme en témoigne la lettre à son père écrite peu après la création de L'enlèvement au sérail: "Mon opéra doit être arrangé pour orchestre à vents pour dimanche prochain, sinon un autre passera avant moi et aura tout le profit au lieu de moi-même".
Remplacer le premier violon du quatuor par un instrument à vent est une pratique courante comme en témoignent les quatuors pour flûte et le quatuor pour hautbois.
La sonate pour violon et piano K 378 a été composée en 1779. Voici un arrangement que nous avons réalisés avec le quatuor Manfred pour un disque chez Zig Zag Territoires:

Et pour finir deux visions complémentaires de la musique de Mozart:
"Il faut que cela soit gai, soit si gai, que l'on ait envie de fondre en larme" B. Walter
"On voudrait pleurer, on pleure parfois, et le miracle est là: ces larmes sont douces comme un bonheur" A. Comte-Sponville

Création du spectacle musical des Virtuoso Migrateurs

2011-04-01T00:14:00.008+02:00

le 1er avril 2011, Espace Jean Vilar à Arcueil

Les Virtuoso Migrateurs
Florent HÉAU, clarinette, lame sonore, claquettes et plombinette.
Bruno DESMOUILLIERES, batterie et percussions traditionnelles (pandeiro, cas-cas, cajon, bodhran, req)

Spécimen à floraison acoustique, ce duo volubile et farfelu développe d'intenses panaches musicaux et exhale des parfums exotiques et poivrés. Installé de préférence en terre inconnue, le répertoire des Virtuoso Migrateurs offre à ce spectacle musical plusieurs atmosphères et de multiples cultures: des bouquets de horo bulgare, de sirba roumaine et de lezginka du Caucase, des plants de czardas tzigane et de choro brésilien, des boutures de ragtime, de reel irlandais, pimentés de chants malgaches, japonais et pygmées.

Voici un triptyque sur des thèmes traditionnels d'Europe centrale : "nu mai plinge codrule", "sirba izvoara" et "hora de bessarabie":

Y a des questions?

Création du concerto pour clarinette et orchestre de Philippe Hersant

2011-03-29T16:13:00.003+02:00

à l'Opéra de Rennes, avec l'Orchestre de Bretagne, mardi 29 mars 2011.

direction : Sascha Goetzel
clarinette : Florent Héau

MOZART - Musique funèbre maçonnique
HERSANT - Concerto pour clarinette (commande de l’Orchestre)
SCHUBERT - Symphonie en do majeur “La Grande”

Philippe Hersant

Concerto pour clarinette (durée environ 22')
Voici ce qu'en dit Philippe Hersant:

"Mon concerto pour clarinette est la dernières des trois œuvres que j'ai écrites pour l'Orchestre de Bretagne dans le cadre de ma résidence à Rennes.
J'ai adopté une forme en trois mouvements, sans me conformer toutefois à l'alternance vif-lent-vif du concerto classique. Ces mouvements sont, par ailleurs, de longueur très inégale.
Le premier mouvement (modéré) débute par une longue phrase du soliste, accompagnée par des frémissements de cordes et des deux clarinettes de l'orchestre.
C'est le motif essentiel du concerto, que l'on retrouvera à plusieurs reprises sous des formes variées. Le caractère chantant domine dans ce premier mouvement.
Le deuxième (un très bref scherzo) exploite un aspect bien différent de l'instrument, qui s'y montre volontiers sarcastique, voire agressif.
Le troisième mouvement est de loin le plus développé; il dure à lui seul plus que les deux autres réunis. Il débute par un adagio, une sorte de choral presque religieux. A la troisième reprise de ce choral, vient se superposer la phrase initiale du concerto- une réexposition, en quelque sorte, mais enrichie d'éléments nouveaux. Tous les motifs du premier mouvement (puis des échos du deuxième) vont réapparaître, quelque peu transformés, dans une longue coda récapitulative menée par la clarinette, presque omniprésente.
Le concerto pour clarinette est dédié à Florent Héau"

la création à l'Opéra de Rennes, avec Philippe Hersant, Florent Héau, Sascha Goetzel et l'Orchestre de Bretagne.

visitez le site de Philippe Hersant
ici

metro, boulot, oulipo

2011-03-19T00:49:00.004+01:00

Notre Auber

Notre Auber qui êtes Jussieu
Que Simplon soit Parmentier
Que ta Volontaires soit Place des Fêtes
Que ton Rennes arrive
Sur Voltaire comme Courcelles
Donne-nous Gallieni notre Havre-Caumartin
Et ne nous soumets pas à la Convention
Cambronne-nous nos Défense
Comme nous Odéon à ceux qui nous ont Maraîchers
Délivre-nous des Halles,
Miromesnil.

Hervé Le Tellier.
Zindien, 2000.

Les membres de l'Oulipo (acronyme de Ouvroir de Littérature Potentielle) sont des littéraires et des mathématiciens qui se plaisent à se définir comme "des rats qui construisent eux-même le labyrinthe dont ils se proposent de sortir".

Travaillant avec des contraintes d'écriture, ils manient le lipogramme (évitement d'une voyelle, comme dans La disparition de Georges Perec, lipogramme en E), le cadavre-exquis, l'anagramme, l'épenthèse, l'antonymie, l'isomorphisme et bien d'autres jeux littéraires.
Vous pouvez découvrir leur travail, un jeudi par mois à l'auditorium de la BNF (voir). Vous passerez un bon moment!

Chaque membre est coopté, et doit être élu à l'unanimité, et à la condition de ne pas avoir demandé à faire partie de l'Oulipo. D'après les statuts, un membre élu ne peut démissionner qu'en se suicidant devant huissier.
Raymond Queneau (1903-1976) est donc toujours membre de l'Oulipo. Lors des réunions du groupe, il est, selon la formule consacrée, "excusé pour cause de décès".

Duke Ellington & Bunny Briggs

2011-03-12T00:15:00.002+01:00

Pour réaliser un paddle (dig pick step heel): posez le talon, pointe en l'air, sans le poids du corps, puis faites un brush en arrière, posez la plante avec le poids du corps, puis le talon sans le poids du corps.

C'est simple, non?

Démonstration avec Dr Bunny Briggs et l'orchestre de Duke Ellington: "David danced before the Lord"

Berceuses du chat, Igor Stravinsky

2011-03-06T00:21:00.003+01:00

« Le Stravinski était étonnant. Ces chants sont merveilleux, et cette musique m'émeut complètement. Je l'adore, et les berceuses sont indescriptiblement touchantes. Comme ces clarinettes sonnent!" (de Webern à Berg)

Stravinsky

Igor Stravinsky écrit les Berceuses du chat en 1915 et 1916. Ce cycle de 4 chants est écrit pour voix de contralto, petite clarinette en mib, clarinette en la et clarinette basse.

Les berceuses du chat ont été créées le 6 juin 1919 à Vienne. Dans le meme concert on a pu entendre Pribaoutki, autre cycle de 4 chants pour voix et 8 instruments composé en 1914.Ces chants sont généralement chantés en russe, mais quelquefois en français, dans la traduction de Charles Ferdinand Ramuz.

Charles Ferdinand Ramuz et Igor Stravinsky

Ces clarinettes qui "sonnent" sont écrites de manière très inventive, dans des registres inattendus: ainsi il mélange le grave de la petite clarinette avec l'aigu de la clarinette basse. Dans la troisième pièce, la clarinette basse est remplacée par une clarinette en la jouant dans l'extrême grave.

Voici le texte des quatre chants, dans la version en français de Ramuz:

Le Chat sur le poêle
Dors sur le poêle, bien au chaud, chat;
La pendule bat; elle bat, mais pas pour toi.

Intérieur
Le chat dans un coin casse des noisettes;
La chatte, sur le foyer, fait sa toilette
Et les petits chats ont mis des lunettes
Guignent, guignent, les petits,
Si le vieux n'a pas fini:
Pas encore mais tant pis.

Dodo
Dodo, l'enfant do, l'enfant dormira bientôt
Aujourd'hui; le chat a mis son bel habit gris,
Pour faire la chasse aux souris.
Dodo, l'enfant do, l'enfant dormira bientôt
Ôtera son bel habit
Si l'enfant n'est pas gentil
Dodo, l'enfant do, l'enfant dormira bientôt.

Ce qu'il a, le chat

Ce qu'il a, le chat
Ce qu'il a, le chat
C'est un beau berceau qu'il a;
Mon enfant à moi en a
Un plus beau que ça.
Ce qu'il a, le chat
C'est un coussin blans qu'il a;
Mon enfant à moi en a
Un bien plus blanc que ça.
Ce qu'il a, le chat
C'est un tout fin drap qu'il a;
Mon enfant à moi en a
Un bien plus fin que ça.
Ce qu'il a, le chat
C'est un chaud bonnet qu'il a;
Mon enfant à moi en a
Un bien plus chaud que ça.

onomatopées et scat vocal

2011-02-26T00:35:00.005+01:00

Les onomatopées sont des interjections imitant des sons.
La bande dessinée a largement nourri la liste des onomatopées avec des " slurp" et autres "cui-cui".

La langue anglaise a la particularité d'avoir certains noms et verbes qui sont très proches des onomatopées qu'ils évoquent.
Ainsi "to splash" pour éclabousser, "to plop" pour clapoter, "to boom" pour gronder, retentir, "to mumble" pour marmonner, "to crash" pour percuter, écraser.

Le coq fait "cock-a-doodle-do", le cheval "clippity-clop", le chat "purr purr", tandis que le canard "quack-quack".

"La grande traversée", Goscinny/Uderzo

Voici Cathy Berberian (1925-1983) dans son Stripsody, pièce inspirée des comic strips américains:

Le scat est une technique d'improvisation vocale basée sur des onomatopées.
Voici le Tatoum scat, par les Virtuoso Migrateurs:

D'après le clarinettiste de jazz Mezz Mezzrow (dans son autobiographie "La rage de vivre"), c'est Louis Armstrong qui a le premier enregistré du scat lors d'une session avec le "Hot Five" en 1926. Alors qu'il chantait Heebie Jeebies, il a lâché le papier sur lequel étaient écrites les paroles... on l'entend donc dans cet enregistrement donner libre cours à son imagination en scat ( à 1'50):

Cette anecdote n'est pas sans rappeler la mésaventure du personnage de Charlie Chaplin dans les "Temps modernes". Les manchettes sur lesquelles sont inscrites les paroles s'envolent au début de son tour de chant. Il s'en suit une improvisation en forme de scat, comme une langue inventée, ce qu'on appelle "chanter en yaourt":

Cab Calloway est un de ceux qui ont popularisé le scat. Le voici dans Zaz-Zuh-Zaz:

Au-delà des "pou pou pi dou" de Betty Boop ou de Marilyn Monroe, des "be-bop-a-lula" de Gene Vincent, c'est à Ella Fitzgerald que l'on doit les improvisations en scat parmi les plus accomplies:

Le konnakol est un langage rythmique vocal d'Inde du sud (cf article du 14 avril 2010).
C'est une forme de scat vocal, dont voici une démonstration:

TaKaDiMi, Youpla Boum Tagada Tsoin Tsoin!

Disco Toccata, de Guillaume Connesson

2011-02-17T00:24:00.008+01:00

(cliquez sur le titre de la vidéo pour un affichage complet)

Cette vidéo a été enregistrée au Louisiana Museum of Modern Art (Danemark).
Elle a été réalisée par Stephan Aubé.

(on le voit ici installer une caméra miniature)

sous l'œil du compositeur Guillaume Connesson,

et la complicité du violoncelliste Jérôme Pernoo.

Photos: Jérôme Ducros
Disco Toccata de Guillaume Connesson est édité chez SALABERT.

Voir la vidéo des Variations Adams de Guillaume Connesson. cliquez

Ecouter la chronique de Jérôme Pernoo: " Connesson, vous connaissez? ": cliquez

Puttin'on the Ritz

2011-02-12T00:07:00.000+01:00

"Puttin' on the Ritz" a été écrit en 1929 par Irving Berlin.

La version de Fred Astaire dans "Blue skies" en 1946 est inoubliable:

Tout comme celle de Clark Gable dans "Idiot's Delight" en 1939 ( la pâmoison de la Dame devant la moustache de Clark Gable à 40 secondes du début vaut son pesant de cacahouètes!!!) :

Et puis la magnifique Ella Fitzgerald:

ou les délires de Mel Brooks dans "Frankenstein Junior" en 1974:

Dance Preludes, de Witold Lutosławski.

2011-02-05T00:02:00.001+01:00

Le programme du concours d'entrée en 1er cycle supérieur du CNSMD de Paris nous donne l'occasion de nous intéresser à la Pologne et de découvrir le langage musical du compositeur polonais Witold Lutosławski.

Witold Lutosławski (1913-1994)

Des danses venues de Pologne, on connait bien-sûr la Polonaise, à 3 temps avec son rythme caractéristique:

présente dans la musique de Chopin, mais aussi Weber (final du 2è concerto pour clarinette) ou Spohr (final du 2è concerto pour clarinette).

Grace à Chopin, nous connaissons bien la mazurka, "mazurek", danse à 3 temps de la région de Mazovie (au centre et nord-est de la Pologne, autour de Varsovie).

Dance preludes (Preludia taneczne) a été écrit en 1953. Ces courtes pièces trouvent leur inspiration chez Bartók et dans des danses du folklore polonais, notamment oberek (mazurka rapide), kujawiak (mazurka lente) ou encore krakowiak (cracovienne, à deux temps).

Après une première version pour clarinette et piano, Lutosławski en a proposé une autre en 1955, pour clarinette, harpe, piano, percussions et orchestre à cordes.
La voici, dans un enregistrement où je tiens la partie de clarinette:

puis en 1959, une version de chambre (5 vents, 4 cordes):

J'ai souvent eu le plaisir d'aller jouer et enseigner en Pologne. Alors je profite de cet article pour saluer mes amis polonais (dont certains sont des lecteurs fidèles de ce blog) d'un joyeux "cześć!".

"E lucevan le stelle", Tosca de Puccini

2011-01-30T00:13:00.002+01:00

Rome, juin 1800.
Le peintre Mario Cavaradossi a été arrêté. Détenu au château Saint-Ange, un geôlier lui annonce qu'il sera exécuté dans une heure.

Mario demande l'autorisation d'écrire une lettre, "E lucevan le stelle ed olezzava la terra..." (Quand les étoiles brillaient et la terre embaumait), et il pense à Tosca:
"Il a disparu pour toujours, mon rêve d'amour.
L'heure s'est envolée, et je meurs, désespéré !
Et je n'ai jamais autant aimé la vie !"

Voici une des plus belles pages écrites pour la clarinette, profonde et nostalgique, et le chant du ténor, d'une grande beauté:

Tosca, de Giacomo Puccini, d'après la pièce de Victorien Sardou (création à Rome en 1900)

Tosca a tué l'infâme Scarpia, après avoir obtenu le sauf-conduit pour Mario Cavadarossi. Elle annonce à son amant que l'exécution sera feinte.
Mais quand les soldats font feu, il s'effondre.
Trompée par Scarpia qui avait ordonné une véritable exécution, Tosca enjambe le parapet et se jette dans le vide.

Hommage à Khatchaturian et lezginka

2011-01-22T00:50:00.004+01:00

Ceux qui ont vu "Les Bons Becs en voyage de notes" se souviendront du duo évoquant l'Arménie à travers la danse finale de l'Hommage à Khatchaturian de Béla Kovács:

Cette pièce est inspirée d'une danse du Caucase, la lezginka, reprise notamment par Aram Khatchaturian dans son ballet "Gayaneh" et dont voici une version (avec un champion du monde nippon du roulement!) :

On trouve notamment la lezginka en Géorgie et en Arménie. Voici une version plus "rurale" de la Lezginka de Khatchaturian par les roumains du Taraf de Haidouks:

Dans cette danse, les hommes imitent les aigles, avec des pas rapides, des tours vertigineux et des sauts sur les genoux.
Attachez vos ceintures, voici le Georgian National Ballet Sukhishvili:

ça décoiffe!!!

Woody Allen et sa clarinette

2011-01-16T00:20:00.010+01:00

Tant que l'homme sera mortel, il ne sera jamais décontracté!

Woody Allen

Les Contrastes, de Bartók (1)

2011-01-09T00:02:00.004+01:00

L’histoire de Contrastes commence en août 1938. Dans une lettre adressée à Béla Bartók, le violoniste Joseph Szigeti officialise la commande, en collaboration avec le clarinettiste Benny Goodman, d’un « duo clarinette-violon, avec accompagnement de piano ».Il souhaite que la pièce comporte « deux mouvements indépendants, pouvant éventuellement être joués séparément (comme la première Rhapsodie pour violon) ».

Béla Bartók (1881-1945)

Par ailleurs, Szigeti fait la demande « d’une durée d’environ 6-7 minutes », « de façon qu’elle puisse être contenue sur un disque 78 tours », le format standard de l’époque. En ajoutant que, « bien-sûr nous espérons qu’elle inclura une cadence brillante pour la clarinette et pour le violon ! ». Szigeti et Bartók, tous deux compatriotes, entretiennent une relation depuis les années vingt. Szigeti est le créateur et dédicataire de la Première Rhapsodie pour violon et piano (1928). Szigeti présente Benny Goodman comme «l’idole mondialement connue de la clarinette jazz », invitant Bartók à ne pas être « effrayé par les disques hot jazz, Goodman ayant aussi enregistré le quintette de Mozart avec le Budapest Quartet ». Szigeti lui assure que « tout ce que peut physiquement une clarinette, Benny peut le faire, et merveilleusement ». Bartók en tiendra d’ailleurs compte, puisque la partition est redoutable techniquement, montant jusqu’au contre-si bémol, et chargée de tant de notes que Goodman trouva que « la partition semblait couverte de chiures de mouches »...

Benny Goodman (1909-1986)

Les Contrastes de Bartók ont été créés au Carnegie Hall de New York le 9 janvier 1939 par les deux dédicataires et Endre Petri au piano. La pièce porte alors le titre de "Rhapsodie pour clarinette, violon et piano", avec en sous-titre "Deux danses".
On perçoit donc clairement la référence aux deux mouvements traditionnels de la Czardas : lassù (verbunkos, danse de recrutement) et friss (sebes, danse vive).

Affiche de la création

Le succès est au rendez-vous.

Voici le témoignage de Szigeti : « Nous avons rejoué le deuxième mouvement parce qu’au cours de la première exécution ma corde de mi s’était cassée. Par le truchement de Benny Goodman, cette première a obtenu dans la presse un retentissement qu’aucun compositeur ou interprète de notre milieu ne pouvait espérer. »

Voici un extrait de la critique du “New York Times” du lendemain: "La pièce est aussi hongroise qu’un goulasch, et Mr Goodman a été assez artiste pour se retenir de toute insinuation au swing. En effet, en considérant qu'il avait probablement quitté la scène du Théâtre Paramount quelques minutes avant d’apparaître sur celle de Carnegie Hall, la pureté de son style, le brillant et la propreté technique ont été particulièrement admirables ».

Le critique a été impressionné par la musique, bien qu’à son avis, "Bartók n’a épargné ni les doigts, ni les oreilles, ni les lèvres des interprètes."

Szigeti, Goodman et Bartók

Au début de 1940, Bartók émigre aux États-Unis. Il plaide pour insérer un mouvement central (noté Intermezzo sur le manuscrit, puis baptisé Pihenö) entre le Verbunkos et la Sebes.

Le compositeur n’est pas convaincu du titre Rhapsodie. Il rejette aussi la proposition de Szigeti et Goodman, d’abord de "Deux Danses" puis "Trois Danses".

C’est finalement le titre de "Contrastes" qui va être retenu.

En 1941, Goodman et Szigeti vont enregistrer le trio avec Bartók lui-même au piano pour le label Columbia Records.

Les Contrastes, de Bartók (2)

2011-01-09T00:00:00.002+01:00

Contrastes est écrit pour une combinaison instrumentale peu usitée, imposée bien-sûr par la commande. C’est, dans le catalogue des œuvres de musique de chambre de Bartók, la seule avec un instrument à vent.
Contrastes présente la curiosité d’être un trio pour 5 instruments : clarinette en la, clarinette en si bémol, violon, violon scordatura (accordé sol#, ré, la, mib) et piano.
Bartók n’utilise pas les musiques populaires au sens propre, mais les prend pour modèle spirituel, d’où la couleur fascinante et unique de cette musique, véritable folklore inventé et imaginaire.

Verbunkos : « danse des racoleurs », « danse de recrutement »

Ce mouvement correspond au lassù de la Czardas.
Le verbunkos est traditionnellement une musique dansée par les soldats en uniforme de cérémonie lors des séances de recrutement organisées par l’armée austro-hongroise des Habsbourg au début du XVIIIe siècle.
Dans ce mouvement, Bartók fait référence à différents éléments en rapport avec le folklore hongrois : des rythmes pointés « magyars », le bokazó (cadence rythmique imitant les coups de talon des cavaliers hongrois), l’ambigüité majeur/mineur, une écriture du violon avec des grands sauts d’intervalles, l’ornementation de la tonique ou l’insistance sur l’intervalle de la quarte.
Le traitement harmonique est riche, faisant appel par exemple aux gammes par tons, au mode lydien, à l’échelle octotonique, ou à la polymodalité chromatique.
Ce mouvement fait la part belle à la clarinette avec une cadence à la fin.

Pihenö : « repos », « relaxation »

On trouve dans ce mouvement l’inspiration du son du gamelan indonésien, tout comme dans le dernier mouvement du Concerto pour Orchestre ou De l’île de Bali, dans Mikrokosmos.

Les gammes pentatoniques et des intervalles mélodiques de secondes et de quartes de cette musique, se trouvent être aussi des caractéristiques de la musique folklorique hongroise.

Sebes : « danse rapide »

Elle correspond au friss de la Czardas. Dans ce mouvement, Bartók emprunte au folklore roumain une de ses danses caractéristiques de la région des Maramures, avec ses notes répétées avec appogiatures.
Il emprunte aussi au folklore bulgare le rythme (8+5)/8, lui-même superposition de deux rythmes : (3+2+3+2+3)/8 (au piano) et (1+2+2+2+1+4+1)/8 (à la clarinette et au violon).
C’est cette fois au violon que Bartók destine sa cadence.

Contrastes est une pièce très originale, qui puise son inspiration notamment dans les formes et musiques populaires hongroises, roumaines, bulgares ou du gamelan indonésien.
On peut noter que le contact avec Benny Goodman n’a pas incité Bartók à utiliser le langage du jazz.

Bibliographie: Bartók et le folklore imaginaire de Jean-François Boukobza, éditions Cité de la Musique 2005.

Les Bons Becs vous souhaitent une joyeuse année 2011

2011-01-01T00:00:00.007+01:00

douce et affectueuse,

dans un monde serein et sans violence.

Les Bons Becs au Théâtre Le Ranelagh, 5 rue des Vignes, Paris 16ème,
du 7 janvier au 20 février 2011, du mercredi au samedi à 19h, le dimanche à 12h.

musique et langue

2010-12-26T09:19:00.006+01:00

Lors de mon voyage à Budapest, un hongrois m'a raconté combien il leur fut difficile d'adapter la musique "rock" à la langue hongroise. Comme si cette musique anglo-saxonne était réservée à l'anglais.

D'après Leonard Bernstein, les musiques populaires sont le reflet des rythmes, accents et vitesses des langues parlées. Le langage, en particulier celui des poètes, que l’on trouve dans les musiques folkloriques, passent finalement dans l’art musical « classique », ce qui fait sonner Tchaïkovski « russe », Verdi « italien » ou Gershwin « américain ».

Dans la langue hongroise, la plupart des mots sont accentués sur la première syllabe, ce que l’on retrouve dans cette musique (le rythme magyar « double-croche pointée », caractéristique chez Bartók est accentué sur la « double »).

Dans la langue française, la plupart des syllabes sont égales (enchaînement consonantique : la consonne d’un mot s’unit à la voyelle du mot suivant) et peu accentuées. Cette langue utilise plus les phonèmes qui résonnent clairement dans la partie antérieure de la bouche, d’où un jeu actif des lèvres et une tension musculaire constante dans l’articulation : la prononciation est élégante et pure, bien timbrée ; l’articulation est énergique,sans dureté, nette sans mollesse.
Tout cela se retrouve aussi dans la musique française.

La langue italienne se reconnaît par ses longues et belles voyelles, et se retrouve dans ses longues et chantantes lignes mélodiques.
Quant à la langue espagnole, ce sont les consonnes qui sont importantes, ce qui confère un aspect plus tranchant et rythmique à sa musique. La langue allemande est quant à elle plus lourde et avec de longs mots, et de longues combinaisons de sons.

Si vous parlez anglais, régalez-vous avec la vidéo suivante (dont j'ai fait un résumé ci-dessus), et les exemples musicaux proposés:

Young People's Concerts, Leonard Bernstein and the New York Philharmonic

A la naissance, les bébés ne crient pas tous de la même manière. Selon des chercheurs de l'institut Max-Planck et le laboratoire des sciences cognitives de l'Ecole normale supérieure de Paris, qui ont analysé plus de vingt heures de cris de nouveau-nés, les nourrissons français ont la voix qui monte tandis que les allemands ont un cri aigu qui descend ensuite vers le grave. Les scientifiques expliquent que l'ouïe est le premier système sensoriel développé par le fœtus. Ce dernier mémoriserait en effet les différentes intonations dans le ventre de la maman.

Les particularités culturelles et la langue ont donc logiquement influencé les écoles nationales de clarinette, même si aujourd'hui, dans notre monde globalisé, ces particularités tendent à s'estomper.

Ainsi, pour exprimer la différence entre la sonorité de l'école de clarinette française et anglaise, Jack Brymer aimait à comparer la manière de chacun de ces pays de prononcer le mot "flûte" ([flyt]) ou "flute" ([flu:t])...

Bartók et le folklore

2010-12-18T00:01:00.002+01:00

Après Buenos Aires, changement total de décor avec Budapest.
Il y a peu de points communs entre l'Argentine et la Hongrie, si ce n'est l'importance des musiques traditionnelles et leur influence chez les compositeurs savants.
Bartók est évidemment la figure emblématique de ces compositeurs qui ont puisé leur inspiration dans les folklores. On peut même le considérer comme un des premiers ethnomusicologues.

Béla Bartók et Zoltan Kodály

Bartók et Kodály ont partagé la volonté de se tourner vers les racines de leur pays, et dès 1905, avec l'aide du phonographe Edison, ils sont partis collecter des milliers de chants populaires et de musiques rurales.
Bartók a élargi ce travail à la Roumanie, la Slovaquie, l'Ukraine, la Bulgarie et jusqu'en Algérie et en Anatolie.

musiques du folklore hongrois

Voici comment Bartók a défini en 1941 sa position de compositeur face au matériau folklorique:
"Concernant les transcriptions de musique folklorique, j'ai quelques remarques à émettre. Ces dernières peuvent être approximativement divisées en 3 catégories:
1: les transcriptions où la mélodie utilisée constitue la part la plus importante de l'œuvre. L'accompagnement ajouté et les préludes et postludes éventuels peuvent être seulement considérés comme le sertissage d'un joyau.
2: les transcriptions où la mélodie empruntée et les parties inventées sont d'une importance égale.
3: la mélodie utilisée peut-être simplement considérée comme une sorte de motto, de motif conducteur, tandis que la partie ajoutée atteint la dimension d'un ouvrage original."

Sonatine Sz. 55 de Bartók, en trois mouvements: Joueurs de cornemuse, Danse de l'ours, Finale.

Ses transcriptions d'airs populaires "peuvent être reconnues par leur titre (Quinze chansons paysannes hongroises, Chants de Noël roumains, etc.).
Lorsqu'il n'y a pas d'indication d'origine, c'est qu'aucune mélodie populaire n'a été employée. C'est le cas de mes ouvrages originaux, comme par exemple toute ma musique de chambre".

Bartók a donc d'abord collecté, étudié et classé le folklore, pour ensuite le transcrire et l'harmoniser, pour qu'il devienne finalement un langage propre, inventé et métissé.

D'après le musicologue roumain Mihai Radulescu, "Bartok s'est exprimé d'une manière inhabituelle jusqu'alors, par les rythmes, formes mélodiques, procédés vocaux et instrumentaux de la mélodie populaire la plus originale; il a fait de la mélodie populaire la substance de sa propre musique, de l'amalgame des musiques des peuples différents (surtout danubiens) et de sa propre intuition il a créé un "folklore imaginaire". Il est vraiment imaginaire non seulement parce qu'il signifie une synthèse, mais surtout parce qu'il est pénétré, dans l'architecture et la force expressive de ses œuvres, d'un esprit qui n'est plus propre au folklore proprement dit, mais à l'art musical classique suivant les traditions allemandes avant tout".

Budapest, Hongrie.

2010-12-18T00:00:00.002+01:00

Szia! néhány kép a mesterkurzus:

koncert a Budapest Clarinet Quartet:

fafúvós hangszer kiallitas a Buffet-Crampon és a Vandoren:

Köszönjük és gratulálunk!

Les Double-Six

2010-12-12T00:46:00.001+01:00

Voici un petit hommage à Mimi Perrin, disparue le mois dernier, et qui fonda le groupe vocal des Double-Six en 1959.

Si vous ne connaissez pas leur travail, je vous propose de découvrir un de leurs textes humoristiques et poétiques (proches du scat) sur Tickle Toe, un grand standard de Lester Young.

Voici d'abord Tickle Toe par l'orchestre de Count Basie:

et la version des Double-Six, arrangée par Mimi Perrin

avec le sax ténor de Frank Foster repris par Eddy Louiss ("Ben tout d'même, moi je n'voudrais pas qu'par bonté pour un bonhomme patibulaire on tape dans l'tas, permettez-moi d'vous parler de mon aventure avec la bande à Rio")

et la trompette de Joe Newman par Claudine Barge ("Tu n'peux pas pourtant, crois moi bien, palabrer pour très longtemps car dis toi qu'ton compte est bon mon ami si la bande à Rio vient")

saxes: "Cours à toute allure mon ami, sur la pointe des pieds tu t'en iras, là".

Le malambo, la Pampa, et Guastavino.

2010-12-06T18:07:00.005+01:00

Pour clore cette petite série consacrée à l'Argentine, voici un éclairage sur l'influence du folklore argentin dans la musique de Guastavino.
Dans Pampamapa, Carlos Guastavino puise son inspiration dans le rythme du malambo.

A l'origine, le malambo est une danse où deux hommes s'affrontent dans un combat de zapateado (frappes des pieds).
Cette danse est celle des gauchos de la Pampa argentine, rythmée par le bombo (gros tambour en bois et en peau), par les frappes des bottes ou celles des boleadores (sorte de lasso sud-américain destiné à la chasse, et dont chaque extrémité de la corde se termine par un petit sac contenant une pierre).

Carlos Guastavino, né dans la région de la Pampa (à Santa Fe), connaissait bien ces traditions des gauchos auxquelles il s'était intéressé.
Dans Pampamapa, le piano solo reprend le rythme caractéristique du malambo, évoquant le galop des chevaux et la Pampa.
S'inspirant de la poésie de Hamlet Quintana (dans la version chantée), la clarinette exprime combien l'appel de la Pampa est plus fort que tout, plus fort même que l'amour pour une femme. Pour que les lèvres de cette femme ne deviennent pas amères, l'homme lui demande de ne pas essayer de le retenir quand il repartira pour la Pampa. Car on n'attache pas le vent.
"Pampa, je te donne ma vie et mes rêves, donne-moi ta sérénité".

Pampamapa, de Carlos Guastavino, extrait du disque "Melodias Argentinas"

Ce besoin du retour à la Pampa est l'expression de la nostalgie, qui est étymologiquement, la maladie (algos) du retour (nostos).
La nostalgie est centrale dans la musique de Carlos Guastavino et peut-être plus généralement dans l'âme argentine.

Iguazù, Argentina

2010-12-05T00:23:00.002+01:00

Voici le spectacle auquel assista le conquistador Alvar Cabeza de Vaca en 1542:

Le site des chutes d'Iguazù est une merveille de la nature, à la frontière entre l'Argentine et le Brésil.

Baptisées à l'origine "Sauts de Sainte-Marie", elles sont désormais appelées chutes d'Iguazù.

En Guarani, la langue des indiens autochtones, Iguazù signifie "grandes eaux".

Il s'agit en fait d'un ensemble de 160 à 270 cascades réparties sur 2,5 Km.

La plus haute cascade fait 80 m: c'est la Garganta del Diablo, la Gorge du Diable.

vue du Brésil:

vue d'Argentine:

La Gorge du Diable, un lieu hautement inspirant, quoiqu'un peu humide et assez peu calme pour y donner un concert...

Photos et film pris le 17 novembre, par une magnifique journée

Buenos Aires, Argentina

2010-11-28T00:19:00.003+01:00

La tournée en Argentine a été l'occasion de découvrir un peu de ce pays fascinant.
Un des concerts a eu lieu Villa Ocampo.

Villa Ocampo, détail de la façade.

Voici la description qu'en fait son directeur, Nicolas Helft:

"Villa Ocampo est la demeure historique de Victoria Ocampo, à San Isidro, à la périphérie de Buenos Aires."

Villa Ocampo

"Construite en 1891 sur une rive escarpée du Rio de la Plata, dans un site privilégié, elle fut le refuge d'innombrables intellectuels venus des quatre coins du monde, le lieu de rencontre de quelques-uns des esprits les plus remarquables du 20è siècle: Tagore, Stravinsky, Le Corbusier, Malraux, Ortega y Gasset, Camus, Gabriela Mistral et bien d'autres."

Victoria Ocampo (1890-1979) avec Igor Stravinsky

"Roger Caillois, qui vécut pendant plusieurs années en Argentine, y publia, avec le financement de Victoria, Lettres françaises, une revue ouverte aux écrivains de la France Libre. Ce furent des années d'intenses échanges culturels entre la France et l'Argentine, comme un prolongement particulièrement spectaculaire aux relations si étroites que l'Argentine a toujours entretenues avec la France."

Villa Ocampo, détail.

"La Villa Ocampo accueillit aussi les intellectuels argentins les plus prestigieux, qui fondèrent notamment la revue Sur, dans laquelle Jorge Luis Borges, un des habitués de la maison, publia ses principales fictions."

Villa Ocampo, détail du jardin.

Les Habitants de Buenos Aires sont appelés les « porteños », littéralement les "habitants du port".

La Boca est un quartier pittoresque aux baraques colorées, l'endroit où la rivière Riachuelo débouche dans le Rio de la Plata et où ont débarqué les émigrants italiens.

Caminito

Caminito
Sentier, que le temps a effacé,
qu'entrelacés un jour
tu nous a vu passer, je suis ici,
une dernière fois
pour te conter mon malheur

(paroles de Peñoloza, d'un tango de Filiberto)

La Boca

Non loin se trouve San Telmo, le quartier le plus ancien de Buenos Aires, avec ses bâtisses coloniales, ses rues pavées et ses églises anciennes.

Un endroit où on joue et on danse le tango dans la rue.

El Afronte, Orquesta Tipica

"Les tangueros ne sourient jamais, ils arborent presque en permanence un air grave, un peu comme s'ils dansaient avec leur destin et craignaient de lui marcher sur les pieds", Vassilis Alexakis (Le premier mot)

"Le tango, une pensée triste qui se danse" (Discépolo).

Il vient d'arriver; il est nouveau.

2010-11-21T13:34:00.014+01:00

(et contrairement au Beaujolais, il ne donne pas mal à la tête)

Disque Guastavino, chez Transart Live (TR164)

L'Argentine a vu naître dans la seconde décennie du XXème siècle 3 artistes qui illustrent les tendances les plus divergentes de la musique de leur pays : Astor Piazzolla a trouvé dans le modèle du tango urbain la source de son inépuisable inspiration. Alberto Ginastera s'est délibérément inscrit dans le courant moderniste de son époque tout en puisant les éléments de son langage dans la musique populaire argentine.

Quant à Carlos Guastavino, il a su traduire avec des moyens d'expression hérités de l'époque romantique les sentiments de la population paysanne, les «gauchos». En touchant le cœur des humbles, il a conquis ses lettres de noblesse, et demeure l'un des musiciens classiques les plus aimés en Argentine. Sa production pianistique s'échelonne de 1945 à 1975, tout comme les deux cents chansons qui lui ont valu le surnom de "Schubert argentin". Doué du génie de la mélodie, Carlos Guastavino a façonné son style en incorporant à son art du chant les tournures vocales venues des usages musicaux traditionnels.

Aux côtés des pièces originales (Tonada y Cueca; Sonate pour clarinette et piano), j'ai adapté pour la clarinette quelques unes des plus belles chansons du maestro argentin (dont El sampedrino et Rosita Iglesias).

De magnifiques pièces pour piano solo, comme Bailecito, complètent ce programme original.

A découvrir!

Beautés de sites...

2010-11-17T00:46:00.001+01:00

Si vous aimez les clarinettes anciennes:

...les clarinettes piccolo à plateau (ou les clarinettes piccoli aplaties):

...les clarinettes contra-alto dites "contrebasses en mi b":

...les clarinettes allemandes à trous dédoublés:

...les clarinettes françaises à anneaux et trous de ventilation:

...les mongols qui jouent des clarinettes tordues avec le pavillon sous le coude et des chemises à dragons:

ou les taragots roumains pour gaucher:

et bien rendez-vous d'urgence au chtiot musée des Clariboles et Cie:

http://clariboles-et-cie.blogspot.com/

Francis Poulenc, sonate pour clarinette et piano.

2010-11-08T00:15:00.006+01:00

Poulenc et Cocteau

Francis Poulenc (1899-1963) a écrit la sonate pour clarinette et piano en 1962. Elle est dédiée "à la mémoire d'Arthur Honegger" et fut créée par Benny Goodman et Leonard Bernstein au piano. C'était au Carnegie Hall à New York, le 10 avril 1963, trois mois après la mort du compositeur.

Poulenc par Cocteau

La création française a été assurée par deux grands artistes: André Boutard à la clarinette et Jacques Février au piano. C'était le 20 juillet 1963, au Festival de musique d'Aix-en-Provence.

Jacques Février (1900-1979) fut l'élève de Marguerite Long au Conservatoire de Paris (1er Prix en 1921). Grand interprète de la musique de Francis Poulenc, il créa en 1932 ,avec le compositeur, le concerto pour 2 pianos. Sa discographie est principalement consacrée à la musique française. En 1963, il a reçu le Grand Prix du Disque de l'Académie Charles-Cros pour son enregistrement consacré à Ravel.

Jacques Février et Maurice Ravel

André Boutard (1924-1998) a étudié la clarinette à Toulouse avec Louis Cahuzac puis au Conservatoire de Paris dans la classe d'Auguste Périer (1er Prix en 1944).
Il fut clarinette solo de l'Orchestre de la Société des concerts (aux côtés de Henri Druart) de 1948 à 1967, clarinette solo de l'Orchestre de l'Opéra Comique (de 1949 à 1972), puis de l'Orchestre de l'Opéra de Paris (de 1973 à 1984).

Malgré les gratouillis d'un 33 tours bien usé, on perçoit parfaitement la qualité de son jeu et son tempérament musical dans cet enregistrement réalisé en 1964 (Le Chant du Monde):

La partition est éditée chez Chester Music. L'édition présente certaines fautes (bien connues des clarinettistes français) comme en témoigne cet enregistrement de référence.

Voici celles qui concernent l'allegro tristamente:

1 mesure avant "2": jouer un mi
4 mesures après "2": jouer un mi
4 mesures après "3": jouer un do #

Poulenc, qui se décrivait lui-même comme oscillant "entre la gravité et la fantaisie"

"J'achève le lamento d'une sonate pour clarinette et piano dédiée à la mémoire d'Arthur. Je crois que c'est très touchant". Poulenc, à Rocamadour, le 3 juillet 1959.

Dans le deuxième mouvement, Romanza, on peut noter que Jacques Février joue bien l'accord mineur à la fin de la 3è avant "6":

Dans l'allegro con fuoco, il y a une correction 1 mesure avant "4": la deuxième croche est un fa bémol:

Poulenc est mort avant d'avoir pu entendre sa sonate pour clarinette.
Voici le mouvement lent de la sonate pour flûte et piano, par Jean-Pierre Rampal et Poulenc lui-même.

Si vous le souhaitez, vous pouvez retrouver votre serviteur (avec 10 ans de moins) dans la sonate de Poulenc avec Patrick Zygmanowski au piano, dans le disque "musique française pour clarinette et piano", édité chez Lyrinx

« Avec Florent HÉAU, on est heureux d’entendre que les qualités de fabrique du style français sont toujours vivantes, la variété du timbre, le sens du phrasé élégant, la netteté des attaques et ce que les chanteurs nomment la messa di voce, cette délicate manière de porter le son jusqu’au son suivant dans les passages cantabile.» Répertoire, 10/2000

"Si vous étiez paralysé des deux bras, vous peindriez avec le nez". (de Clémenceau à Monet)

2010-11-03T00:30:00.004+01:00

Claude Monet, photographié par Nadar en 1901.

Monet ou le parcours d'un audacieux acharné

Né à Paris en 1840, Claude Monet s'est toujours considéré comme "un indiscipliné de naissance".

Hardiesse...
Caricaturiste de talent, il refuse de passer par la voie royale de l'École des Beaux-arts.

scène marine, par Eugène Boudin en 1894.

En 1858, il rencontre Eugène Boudin, peintre surnommé "le roi des ciels", et installe son chevalet en plein air pour peindre "sur le motif" grâce à une invention récente: les tubes de peintures.

La pointe de la Hève à marée basse, 1865, huile sur toile, Kimbell Art Museum.

Exposé au salon de 1865, les critiques saluent "une manière hardie de voir les choses".

Innovation...
Monet excelle à rendre la réverbération de la lumière, les reflets sur l'eau, l'effet de mouvement et de profondeur grâce à une technique "tachiste" innovante, une touche peu précise mais énergique dans des tonalités froides. On le surnommera d'ailleurs le "Raphaël" de l'eau".

La Grenouillère, 1869, huile sur toile, The Metropolitan Museum of Art, New-York.

Indépendance...
Malgré des débuts prometteurs, Claude Monet va être banni du Salon. En 1874, il prend alors la décision de créer une société anonyme, une coopérative d'artistes qui organisent une espèce de Salon "off". C'est là qu'il va présenter son fameux tableau "Impression, soleil levant" qui va déchainer les critiques et l'incompréhension et donnera son nom à l'impressionnisme.

Impression, soleil levant, 1873, huile sur toile, Musée Marmottan Monet, Paris.

Travail acharné...
Dans la Creuse en hiver 1889, alors qu'il peint en extérieur, le froid est si terrible que ses doigts se couvrent d'engelures. Il les enduit de graisse, met des gants et continue de travailler.
Dans les années 1890, Monet se lance dans ce qui sera les premières séries de l'art occidental: un ensemble de toiles représentant le même motif, comme un thème et variations. Parmi les plus célèbres, on trouve les "Cathédrales" de Rouen, qui sont presque 30 variations de la lumière en fonction de l'heure et du temps.

La Cathédrale de Rouen

Obstination...
Dès 1890, Monet s'installe à Giverny où il fait construire un bassin agrémenté de nénuphars et surmonté d'un pont japonais.
Malgré une cataracte qui le rend presque aveugle et modifie sa perception des couleurs, il travaille sans relâche, notamment autour du thème des nymphéas. Ces recherches vont le conduire jusqu'aux portes de l'abstraction.

Les Nymphéas

Monet meurt en 1926. Bien que pris de doutes, il semble qu'il a toujours eu une certaine conscience de son rôle dans l'histoire de l'art. Son talent naturel, son acharnement au travail, son sens de l'observation et son imagination l'ont mené à la modernité.

"Ce que je ferai ici aura au moins le mérite de ne ressembler à personne, parce que ce sera l'impression de ce que j'aurai ressenti, moi tout seul".

Le metteur en scène

2010-10-30T00:16:00.003+02:00

...par pierre Aucaigne

Denisov, sonate pour clarinette seule.

2010-10-23T00:09:00.000+02:00

Edison Denisov est né en 1929 à Tomsk en Sibérie et mort à Paris en 1996. Après la découverte des musiques de Schoenberg, Berg et Webern (grâce à des musiciens de passage en URSS comme Glenn Gould), il fonde un groupe d'avant-garde avec notamment Schnittke et Goubaïdoulina.

Edison Denisov avec Pierre Boulez

En 1972, il écrit la sonate pour clarinette seule, en 2 mouvements.
Le premier mouvement lento e poco rubato utilise les micro-intervalles (en l'occurrence, les quarts de tons):

répartis ainsi dans un ton:

Tout comme un la b est pareil à un sol #, un la 3/4 b sera la même note qu'un sol 1/4 #
Un intervalle juste (quarte, quinte ou octave) sur lequel on applique la même altération à chaque note conserve la même qualification. Ce qui signifie que l'intervalle suivant:

est une quarte juste, ainsi que dans l'exemple suivant:

Je vous rappelle que ces intervalles "justes" sont particulièrement sensibles pour l'intonation.

L'utilisation des micro-intervalles par Denisov amène de l'expression. "L'élément primordial dans ma musique est le lyrisme" nous dit Denisov.
Ce mouvement est une longue plainte, lointaine, qui se développe vers un cri déchirant dans son 2ème tiers.
Le jeu dynamique est essentiel.
L'écriture rythmique est complexe, et produit paradoxalement le sentiment d'une improvisation.

(Notez que dans l'édition russe de l'extrait ci-dessus, la 2ème note du 7:6 est altérée 1/4 b.)

Si le premier mouvement est une plainte, le deuxième mouvement est une fuite.

Cet allegro giusto s'articule autour d'une note pivot répétée (sib écrit):

à côté de laquelle se développe deux plans principaux:

- fuyant, mélangeant les notes conjointes et intervalles de quarte:

- éclaté et violent, avec des notes extrêmement disjointes et des nuances très contrastées:

A la fin, ces éléments se mélangent, se désagrègent, se délitent, comme une fuite jusqu'à bout de souffle.

Extraits de la partition de la sonate de Denisov, édition Breitkopf & Härtel.

Suis-je compris quand je parle?Ai-je vraiment compris lorsque je crois comprendre? N'ai-je vraiment rien compris lorsque je crois ne rien comprendre?

2010-10-17T10:30:00.004+02:00

Dans le dernier spectacle de Grand Magasin, Les déplacements du problème, les trois comparses se penchent sur certains obstacles à la communication. Grâce à l'Ircam qui lui a commandé ce spectacle, Grand Magasin a pu disposer de techniques sonores dernier cri qui lui ont permis de multiplier les expériences de parasitage de la parole: le tapis absorbant, l'aspirateur, la tribune polyglotte, le micro contradicteur, l'écho négatif, le marteau-piqueur intempestif sont autant de perturbateurs de parole.

Les déplacements du problème est une conférence sous forme de démonstration d'incohérence logique, d'évidences cocasses, burlesques et loufoques.

Par Pascale Murtin, Bettina Atala, François Hiffler.
Réalisation informatique musicale Ircam: Christophe Mazzella
Du 14 au 30 octobre 2010 au Théâtre de la Cité Internationale, PARIS 14ème.

Accumule, puis distribue. Sois la partie du miroir de l'univers la plus dense, la plus utile, et la moins apparente. René Char

2010-10-13T00:10:00.005+02:00

Voici, ci-dessous, une petite fable sur le bien-fondé et l'avantage d'une attitude de partage et d'échange.

Elle illustre aussi l'esprit de ce blog.

Un fermier dont le maïs obtenait toujours le premier prix à la foire de l'État avait l'habitude de partager sa semence de maïs avec tous les fermiers du voisinage.

Quand on lui demanda pourquoi, il dit:
"C'est vraiment là une question d'avantage personnel. Le vent ramasse le pollen et le transporte d'un champ à l'autre.
Alors, si mes voisins ont un maïs de qualité inférieure, l'interpollinisation diminue la qualité de mon propre maïs.
C'est pourquoi je m'assure qu'ils planteront seulement un maïs de la meilleure qualité".

in Histoires d'humour et de sagesse, Anthony de Mello.

Je n’ai joué qu’une seule fois à New-York...

2010-10-06T00:12:00.002+02:00

J’y ai fait mes adieux.

Raymond Devos.

Johannes Brahms, op 120

2010-09-28T00:00:00.004+02:00

En 1890, Brahms achève son quintette à 2 altos opus 111, qu'il considère comme l'apogée de son génie créateur. Au point qu'il pense mettre un terme à son activité de compositeur.

Johannes Brahms (1833-1897)

En 1891, lors d'un séjour au palais de Meiningen, Brahms rencontre le clarinettiste Richard Mühlfeld.
Ce clarinettiste d'exception va l'inspirer, et c'est ainsi que vont naitre le Trio opus 114 puis le Quintette opus 115.

L'été 1894, à Bad Ischl, Brahms écrit les 2 sonates pour clarinette et piano opus 120.
Elles seront données en première audition par Mühlfeld et Brahms à Vienne en janvier 1895, puis dans plusieurs villes dont Leipzig, où elles connurent un grand succès.

Richard Mühlfeld (1856-1907), que Brahms surnommait "Fräulein Klarinette".

Richard Mühlfeld (1856-1907) a commencé sa vie de musicien comme violoniste à l'orchestre de la cour ducale de Meiningen, avant d'en devenir le clarinettiste solo.
Il fut aussi clarinettiste solo de l'orchestre du Festival de Bayreuth.

Richard Mühlfeld jouant sa clarinette Ottensteiner, système Baermann.

Voici un peu d'analyse musicale, à destination des musiciens en général et des clarinettistes en particulier.
Le sujet? l'allegro appassionato de la sonate pour clarinette et piano opus 120 n°1 en fa mineur.

Ce mouvement comporte 6 thèmes: 2 distincts et 4 autres provenant d'un matériau commun: le motif introductif.

Commençons par les 2 thèmes:

Thème 1.
à la mesure 5, thème lyrique, caractérisé par de grands intervalles expressifs:

repris au piano mesure 25:
D'après le manuscrit autographe, il apparait que Brahms avait d'abord pensé le thème de la clarinette à l'octave inférieure:

idée reprise à la ré exposition mesure 138:

Thème 2.
à la mesure 53, thème d'essence rythmique, noté ben marcato:

Ce qu'il y a de remarquable dans ce mouvement, c'est la profusion de thèmes et développements issus de ces mesures introductives:

Elles font certes office d'introduction, mais sont aussi un matériau, dans lequel Brahms va puiser pour donner naissance à de nouveaux thèmes:

Les cellules 1 et 3 (ci-dessus) transposées et augmentées, constituent le démarrage d'un nouveau thème:
Ce nouveau thème démarre avec l'intervalle de quinte ascendante puis tierce mineure ascendante (4).
En associant (4) aux 3 dernières croches de la cellule 1, Brahms crée un autre motif mesure 102 qui, dans le développement, va se métamorphoser et "voyager" dans différentes tonalités:

Le motif 1 se retrouve décliné dans la magnifique coda, d'abord comme une marche funèbre (mesure 227), puis repris à la clarinette, sotto voce (mesure 231), avant l'arrivée du fa majeur (mesure 233), qui va se déployer dans un grand arpège, s'élevant vers un paradis apaisé:

Je ne vous fais pas une analyse exhaustive de la partition afin de vous laisser tout le plaisir de découvrir par vous-même toutes les déclinaisons, toutes les métamorphoses auxquelles Brahms s'est livré à partir du motif introductif.

Schoenberg est le premier à avoir contesté l'image d'un Brahms "compositeur conventionnel".
Il appelle "variation développante" ce principe de développement de vastes sections à partir d'un matériau limité (comme un simple motif ou intervalle).

Webern aussi a insisté sur l'apport de Brahms pour sa propre œuvre: "Développer, à partir d'une pensée centrale, tout le reste! C'est la plus grande cohérence...Brahms a, dans ce domaine, une signification particulière."

"Ici on retrouve la flexibilité et l'élégance de F Héau et cette capacité de faire chanter les dolce et les pianissimi avec une réelle poésie". Répertoire, 05/2003

Au-delà de l'analyse, ce qui domine dans cette musique, c'est son contenu poétique, sans virtuosité. Claude Rostand décrit ces sonates comme "écrites pour soi, comme les feuillets d'un journal intime".

partitions extraites de Wiener Urtext Edition

"Forgive me, Charlie Parker, wherever you are!"

2010-09-19T00:04:00.002+02:00

"Pardonne-moi, Charlie Parker, où que tu sois!"

"Ne quittez pas votre instrument, trouvez l'âme sœur, ne rabaissez jamais un autre musicien"

Charlie Parker.

respiration, ponctuation et expression!

2010-09-12T00:04:00.003+02:00

Les "rimes millionnaires" (ainsi nommées parce que très riches) sont aussi appelées "vers holorimes", "rimes totales" ou encore "pantorimes".
Ce sont des vers qui riment sur toute leur longueur.

En voici un exemple:

Et vite, elle a, cette lavande hier
Hélas! sa beauté laissée choir.
Évitez-la, cette lavandière,
Elle a saboté les séchoirs.

(Et vite, elle a... devient: Évitez-la...)

ou encore:

Au Café de la Paix, grand-père,il se fait tard;
Oh! qu'a fait de la pègre en péril ce fêtard?

A voix haute, ces phrases sont rendues intelligibles par le regroupement des syllabes donnant sens au mot, la ponctuation (et la temporisation qu'elle implique) ainsi que l'articulation.

Philippe Geluck, Le chat, éditions Casterman.

Ce qui est rendu plus difficile dans les fameux "trompe-oreilles":

La pie niche haut, l'oie niche pas.
Mais où niche l'hibou?
L'hibou niche ni haut ni bas.

A lire, ceci ne pose aucun problème. Mais à voix haute, les trompe-oreilles donnent jusqu'à l'impression de ne pas être du français, ou de vouloir dire autre chose:

Sous un arbre, vos laitues naissent-elles?
(Sous un arbre volait une Estelle)

Ricardo Güiraldes (1886-1927)

La ponctuation implique une temporisation dans le débit du texte.
L'écrivain argentin Ricardo Güiraldes (1886-1927) avait proposé de remplacer toute la ponctuation par les signes musicaux (toute la gamme des silences et points d'orgues, mais aussi les nuances et signes d'expression).

Car la ponctuation amène aussi l'expression, avec notamment le point d'exclamation ou les points de suspension.

En 1966, Hervé Bazin utilise dans Plumons l'oiseau, le nouveau "point d'ironie" (inventé par Alcanter de Brahm) et suggère de se servir d'autres signes de ponctuations qu'il appelle "points d'intonation": point exclarrogatif, de doute, d'acclamation, d'autorité, d'amour ou d'indignation.

En musique, le bon placement des respirations est essentiel pour la compréhension des phrases.
Voici un extrait de la 1ère pièce pour clarinette seule de Stravinsky:

3 pièces pour clarinette seule, Igor Stravinsky, éditions Chester.

La première respiration après seulement 3 temps n'est bien-sûr pas une nécessité physique. Mais cette césure permet de dissocier et mettre clairement en évidence les 2 membres de la phrase (nommons les A et B). Le demi-soupir la conclut.

La phrase suivante reprend les notes de A et B (à l'exception du sol#).
Et là, c'est l'articulation (grâce aux 2 liaisons) qui permet de rendre intelligible la construction.
A condition que l'interprète la donne à entendre clairement!

Voici un extrait de la 2ème pièce:

3 pièces pour clarinette seule, Igor Stravinsky, éditions Chester.

Sans la respiration, l'auditeur aura peut-être du mal à identifier les deux motifs différents, et la musique s'en trouvera plus confuse.

A force de travailler la partition, le découpage des phrases devient évident. Gardons à l'esprit qu'il est nécessaire de le donner clairement à entendre aux auditeurs, dont certains découvrent l'œuvre pour la première fois.

je ne suis pas superstitieux...ça porte malheur

2010-09-06T00:29:00.001+02:00

La tradition veut que l'on ne souhaite pas "bonne chance" à un artiste.

Chaque pays a donc développé ses propres expressions pour l'exprimer différemment:

En France, à l'époque où l'on se déplaçait en calèche, on pouvait mesurer l'affluence des spectateurs à la proportion de crottin devant le théâtre. Il était donc bienvenu de se souhaiter "beaucoup de merdes", signe de succès. D'où le fameux "merde!".

Au Royaume-Uni, on conjure le mauvais sort par un "Break a leg!" (casse-toi une jambe!), proche du "Hals und Beinbruch!" allemand (cou et jambe brisés!).

Le célèbre "toï toï toï" semble quant à lui venir de la répétition de la première syllabe de Teufel ( Diable en allemand).

Si vous êtes en Italie et que l'on vous dit "In bocca al lupo" (dans la gueule du loup), répondez "Crepi il lupo!" (que le loup crève!)

Dans tous les cas, le résultat n'est pas garanti...donc par précaution, je vous adresse à tous mes vœux pour que chacun donne le meilleur de lui-même le jour J!

PS: une dernière alternative, vue par Sempé:

La peur donne des ailes...

2010-08-28T00:50:00.012+02:00

La peur est l'une des six émotions fondamentales définies par le psychologue Paul Ekman (avec la joie, la tristesse, la colère, la surprise et le dégoût).

À l'intérieur du cerveau se trouve un cerveau émotionnel qui régit le bien-être psychologique et une grande partie de la physiologie du corps (fonctionnement du cœur, tension artérielle, hormones, système digestif et immunitaire).

Pour le neuroscientifique Antonio Damasio, la vie psychique est le résultat d'un effort de symbiose entre le cerveau cognitif (conscient, rationnel et tourné vers le monde extérieur) et le cerveau émotionnel (inconscient, préoccupé de survie et connecté au corps).

Le cerveau émotionnel (ou limbique) est le plus ancien et nous le partageons avec tous les mammifères et, pour certaines parties, avec les reptiles.
Autour se trouve le cerveau nouveau (néocortex).

Le cerveau limbique de par sa structure neuronale est plus primitif mais plus rapide ( c'est pourquoi une réaction de peur se déclenche plus vite que l'analyse de la situation; de plus il a la capacité de "débrancher" le cortex préfrontal sous l'effet d'un stress important, ce dernier ne répondant plus et perdant sa capacité à guider le comportement).

Le néocortex, c'est la surface plissée qui donne au cerveau son apparence si caractéristique; du point de vue de l'évolution, c'est la couche la plus récente; il apporte attention, concentration, réflexion, planification et comportement moral, tous composants essentiels de notre humanité.

Les deux cerveaux peuvent coopérer ou entrer en compétition; de cela dépend ou non l'harmonie intérieure synonyme de bien-être (équilibre entre réactions émotionnelles instinctives et réponses rationnelles).

Le rythme cardiaque est balancé par le système nerveux sympathique ( qui libère l'adrénaline accélératrice) et parasympathique (qui freine), Dans les états de stress, d'anxiété, de dépression ou de colère, la variabilité entre deux battements devient irrégulière ou "chaotique", Dans les états de bien-être, de compassion ou de gratitude, cette variabilité devient "cohérente".

La peur se forme directement dans le cerveau émotionnel et son image est indélébile; seul un "contrôle" du néocortex peut surmonter ses effets.

Il y a une relation entre le physique et le psychique, l'un et l'autre s'influençant mutuellement.

Ainsi les maladies dites psychosomatiques sont une manifestation physique du psychisme (par exemple une contrariété qui se manifeste par une crise d'urticaire).

A l'inverse, une attitude physique influence le psychisme.

Les « effets d’incorporations » se définissent comme l’impact des états corporels (maintien, postures, mouvements, expressions faciales) sur notre façon de traiter l’information et de voir le monde qui nous entoure, et donc influencer le ressenti des sentiments affectifs.

Les neurophysiologistes ont découvert que dans notre cerveau, un simple sourire, même forcé ou calculé, libère automatiquement des endorphines (« hormones du bonheur ») dont l’effet est immédiat.

Les réactions corporelles liées à la peur sont pour les mammifères des réflexes protecteurs: la contraction de l'estomac et des viscères permettra de courir plus vite, l'accélération du rythme cardiaque (adrénaline) et du souffle permettant d'alimenter mieux le sang et favoriser ainsi la fuite.
Et oui, la peur donne des ailes: courage, fuyons!

Le trac est une émotion dérivée de la peur, avec des symptômes communs.
Malheureusement, n'ayant pas à fuir le public, ces réflexes archaïques de survie ne nous sont pas très utiles pour interpréter un concerto. Ils sont même handicapants.

Gérer le trac consiste donc à maitriser et limiter ces effets indésirables, pour ne garder que l'indispensable stimulus qui nous aidera à donner le meilleur de nous même.

Pour cela, il est nécessaire et fondamental de respirer profondément (respiration abdominale), de se relâcher musculairement (relaxation), de se recentrer (entrer en soi-même), et ainsi ralentir son rythme respiratoire et cardiaque.
En principe, les autres effets indésirables (tremblements, sueurs) vont ainsi s'atténuer.
Par "sympathie", l'esprit va lui aussi s'apaiser.

La pratique régulière de la relaxation ou de la méditation, du Qi-Gong ou du yoga, ou encore de la technique Alexander sont autant d'aides précieuses pour reprendre possession de son corps.

En amont, soignez votre alimentation, votre sommeil et si possible faites de l'exercice pour optimiser votre condition physique.

On peut noter que se masser les yeux stimule les nerfs parasympathiques (ceux qui calment).

Concernant l'aspect psychologique, une bonne préparation, sérieuse, sans impasse, avec des objectifs concrets et réalistes est absolument nécessaire, car dans le cas contraire, votre inconscient vous le fera payer.
On ne choisit pas ses rêves ou cauchemars, mais ils ne sont pas toujours le fruit du hasard.

Sachez vous entourer de personnes bienveillantes et protégez-vous: ramassez vos viscères, accélérez votre rythme cardiaque et votre respiration et fuyez les importuns!

N'hésitez pas à vous divertir pour que votre esprit s'allège. Prenez du recul; l'humour est salutaire.

Les techniques de visualisation, ou la sophrologie pourront aussi vous aider.

Le trac se manifeste aussi par des pensées quelquefois irrationnelles, souvent parasites, alors concentrez-vous sur le tangible, comme votre technique de base (soutien, embouchure): elle est votre principal appui!

Portez votre attention sur les premières phrases de votre concours: ainsi vous éviterez de gamberger et vous ferez un bon début, ce qui donnera de vous une bonne première impression.

Et comme en France, il parait que tout finit en chanson, et bien, chantez! avec votre instrument, et que votre plaisir soit communicatif!

références bibliographiques:

André C., Psychologie de la peur, Odile Jacob 2004.

Servan-Schreiber D., Guérir, Pocket 2005

Dessins extraits de Astérix et les Normands de Goscinny et Uderzo, éditions Hachette.

la tête au carré

2010-08-20T00:10:00.000+02:00

Après la libération de Paris, Picasso discutait avec un GI américain qui lui disait qu'il n'aimait pas la peinture moderne parce qu'il ne la trouvait pas assez réaliste.

Les demoiselles d'Avignon, Picasso 1907

Le peintre ne répondit pas immédiatement mais, quelques minutes plus tard, alors que le soldat lui montrait une photo de sa fiancée, il lui lança d'un air surpris: "Bon sang! Elle est vraiment aussi petite que ça?"

Pablo Picasso

Gabriel Fauré, op 120.

2010-08-11T00:11:00.004+02:00

Pour un clarinettiste, "opus 120" fait spontanément référence aux sonates pour clarinette et piano de Brahms.
Il y a cependant un autre opus 120 dans le répertoire: le trio pour violon (ou clarinette), violoncelle et piano en ré mineur de Gabriel Fauré.

Gabriel Fauré (1845-1924) fut organiste (concertiste et titulaire à l'église de La Madeleine) et successeur de Massenet comme professeur de composition au Conservatoire de Paris. Il prit la direction de cet établissement en 1905. Affecté par une surdité croissante, il en démissionna en 1920.

Gabriel Fauré

Le 26 septembre 1922, à Annecy-le-Vieux, Fauré écrit: "J'ai entrepris un Trio pour clarinette (ou violon), violoncelle et piano. Un morceau important de ce Trio commencé ici il y a un mois, est terminé".
Il s'agit de l'Andantino central, dont l'écriture précède ainsi les deux autres mouvements composés l'hiver suivant.

Le Trio fut créé à Paris en mai 1923, avant d'être repris en juin par le Trio Cortot-Thibaud-Casals.

Le trio Cortot-Thibaud-Casals, entourant Gabriel Fauré

La Reine Élisabeth de Belgique écrit à Fauré: "Cher maître, j'ai entendu votre beau Trio qui m'a causé une profonde émotion. Cette œuvre est si grande et pleine de charme poétique et j'ai été enveloppé par cet inexprimable délice qui se dégage de vos compositions".

Curieusement, l'édition imprimée ne fait plus mention de l'alternative possible entre la clarinette et le violon prévue au départ par l'auteur.
Cependant, la clarinette peut aisément reprendre la partie de violon, offrant au trio un autre éclairage, celui de son timbre doux et lumineux.

conseils santé, par Erik Satie

2010-08-02T00:26:00.006+02:00

Erik Satie (personnage un tantinet facétieux) nous a laissé ces quelques conseils de santé:

Si vous voulez vivre longtemps, vivez vieux!

Il est mauvais de se noyer après manger.

L'air de Paris est si mauvais que je le fais toujours bouillir avant de respirer.

Mon médecin m'a toujours dit de fumer. Il ajoute à ses conseils: "Fumez, mon ami: sans cela, un autre fumera à votre place".

fragments partitions, extraits de la Gnossienne n°3 (1890) d'Erik Satie, éditions Salabert.

les chemins de l'amour...

2010-07-27T11:06:00.004+02:00

Valse chantée,
Musique de Francis Poulenc
Paroles de Jean Anouilh
(1940)

A Yvonne Printemps

Les chemins qui montent à la mer ont gardé de notre passage
Des fleurs effeuillées et l'écho, sous leurs arbres, de notre rire clair.
Hélas ! Les jours de bonheur radieux, de joies envolées,
Je vais sans en trouver trace dans mon cœur.

Chemins de mon amour, je vous cherche toujours,
Chemins perdus vous n'êtes plus et vos défauts sont sourds.
Chemin du désespoir, chemin du souvenir, chemin du premier jour
Divin chemin d'amour.

Si je dois l'oublier un jour, la vie effaçant toutes choses
Je veux qu'en mon cœur un souvenir repose plus fort que notre amour
Le souvenir du chemin où tremblante et toute éperdue
Un jour j'ai senti sur moi brûler tes mains.

Chemins de mon amour, je vous cherche toujours,
Chemins perdus vous n'êtes plus et vos défauts sont sourds.
Chemin du désespoir, chemin du souvenir, chemin du premier jour
Divin chemin d'amour.

Festival d'Avignon 2010

2010-07-17T15:16:00.019+02:00

André Benedetto (1934-2009) fut auteur, directeur de théâtre, et aussi celui qui créa le "off" du festival d'Avignon en 1966.
Voici quelques mots qu'il nous a laissés pour tenter d'expliquer à quoi sert le théâtre:

"Je n'ai jamais eu aucune envie de m'exhiber où que ce soit. Je souhaite passer inaperçu, ne pas attirer l'attention et ne jamais faire aucun bruit.
Je suis prêt cependant à monter chaque soir sur une scène pour m'exposer en pleine lumière devant un public et jouer. Je fais même tout ce que je peux pour cela. Il me semble que (malgré tout!) c'est bon pour ma santé et il me semble aussi que j'ai quelque chose de très intéressant à dire et à montrer à mes congénères.
Quoi exactement je dis et je montre, je ne le sais pas bien et ne peux guère l'expliquer. ça me parait être d'une absolue nécessité. Si nécessaire même qu'il se trouve toujours au moins quelques personnes pour venir me voir et m'écouter.
Ces personnes qui viennent savent peut-être mieux que moi à quoi sert et à quoi leur sert le théâtre.
[...]
Plus la tempête est grande sur la scène, plus le héros est malmené, et plus il sert de phare pour faire le point à tous ces immobiles dans le silence de la salle, très agités à l'intérieur d'eux-mêmes et très désemparés.
Le théâtre, ça les apaise, ça les soulage et ça les éclaire dedans.
On peut alors penser qu'ils deviennent un peu meilleurs tous ensemble."

André Benedetto.

Les Bons Becs en parade au Festival Off d'Avignon 2010.

Carl Maria von WEBER et la clarinette

2010-07-09T00:50:00.006+02:00

Carl Maria von Weber (1786-1826)

Lors d'un séjour à Munich en 1811, Weber rencontre Heinrich Baermann (1784-1847), clarinettiste solo de la Cour et virtuose de son instrument.

Heinrich Baermann (au centre), entouré de Bernhard Crusell et Simon Hermsted

Pour Baermann, Weber écrit un concertino, 2 concertos, le Grand duo concertant, les variations op.33, et le quintette pour clarinette et cordes op.34.

Quintette op.34, Rondo (extrait), avec le Quatuor Parisii

Élève de Joseph Beer et de Franz Tausch, Heinrich Baermann joue depuis 1809 une clarinette à 10 clés.
Cet instrument lui permet une plus grande vélocité, notamment dans les passages chromatiques, ainsi qu’une meilleure émission dans l'aigu.
Weber a noté dans son journal la remarquable qualité du son de Baermann, son amplitude et son homogénéité dans tous les registres.

Le cœur du quintette est ce très bel adagio ma non troppo, intitulé Fantasia.

Quintette op.34, Fantasia

Cette grande aria était sûrement une page de choix pour Baermann, lui permettant d'exprimer toutes les qualités de son cantabile.
En son temps, il fut surnommé le "Rubini de la clarinette", en référence au ténor italien (1794-1854), grand interprète de Rossini et Bellini.

Rubini (1794-1854)
« Tous les superlatifs sont épuisés ; admirable est faible ; sublime bien pâle ; pyramidal, ébouriffant, sublimissime suffisent à peine… Rubini n’a pas de rival au monde. » Théophile Gautier

Fantasia fait référence au "fantastique", dont l'épanouissement du genre est contemporain du romantisme.
Il se caractérise par le goût du mystère, les scènes oniriques, les monstres, ou encore les ténèbres dans des forêts hantées de fantômes.

Dans le 2ème acte du Freischütz, la Vallée du Loup est le repaire de Samiel, le chasseur fantôme (comprenez, le Diable).
Quand le fantôme de la mère de Max (un forestier) lui apparait, l'exhortant à s'enfuir, des animaux effrayants sortent en rampant des rochers, en crachant des flammes. L'orage éclate, la terre tremble, et un coup de foudre vient clore la scène.

En littérature, un des écrivains emblématiques du genre fantastique est E.T.A. Hoffmann (1776-1822).
Il est notamment l'auteur de contes ( L'Homme au sable, Casse-noisette et le roi des souris), de romans (le Chat Murr) et fut aussi critique musical et compositeur.
Il inspira à Jacques Offenbach un opéra fantastique: les Contes d'Hoffmann.

E.T.A. Hoffmann

Weber à la direction.

Il semble que les qualités musicales appréciées à l'époque de Weber étaient le cantabile, une technique brillante et la maitrise des nuances extrêmes.

Voici quelques mots de Weber à propos de l'interprétation:
« Il n’y a pas de tempo lent qui ne nécessite pas un tempo plus rapide dans certains passages pour éviter la sensation de trainer. Inversement, il n'y a pas de Presto qui ne nécessite pas que certains passages soient joués plus lents, de peur que l'enthousiasme soit aux dépends des moyens d'expression. Chanter implique une certaine fluctuation du battement due à la respiration et l'articulation des mots, qui pourrait peut-être comparée au mouvement des vagues sur le rivage ».

Chez Weber (comme Schubert), « andante » signifie un tempo plus lent que chez Mozart ou Beethoven.

La convention de démarrer les trilles par le haut commence à changer dans les traités vers 1820.

"Festival des Forêts", à Compiègne.

2010-07-03T00:06:00.001+02:00

Voici un festival qui porte bien son nom, puisque l'avant concert était une aubade en pleine forêt, sous la forme d'une joute musicale et amicale, avec le violoncelliste Henri Demarquette.

Comme il se doit pour un festival appelé "Festival des Forêts", je suis venu avec une scie musicale.
Et ce fut l'occasion de jouer en duo une 3ème Gnossienne de Satie improbable, mais tellement bucolique!

Le concert a eu lieu dans l'église de Saint-Crépin aux Bois, avec la pianiste Eliane Reyes.
Après une première partie consacrée à Beethoven, Schumann et Bacri (les 2 sonatines opposées: la sonatina lyrica et la sonatina lapidaria pour clarinette et piano), nous nous sommes retrouvés pour le trio en ré mineur op.3 de Zemlinsky.

Ce trio a été composé en 1896, soit 5 ans seulement après le célèbre trio op.114 de Brahms. Il fut primé à un concours organisé par la Tonkünstlerverein de Vienne.

Alexander von Zemlinsky (1871-1942), en compagnie du compositeur Arnold Schoenberg, son ami et beau-frère.

La référence à Brahms est évidente, comme par exemple dans l'épisode central de l'andante, avec les tremolos qui ne sont pas sans rappeler le passage "alla ungarése" du quintette avec clarinette op.115 de Brahms.

Petite photo d'après concert, avec les interprètes et Nicolas Bacri.
Les autres compositeurs étaient excusés.

Papillons...

2010-06-27T00:00:00.005+02:00

En Europe, les différentes langues partagent souvent des racines communes.
Au nord, ils mangent leur bread, Brot ou brod, tandis qu'au sud, nous croquons du pain, pane ou pan.

D'après Alex Taylor dans "Bouche bée, tout ouïe", un des rares mots à être très différents d'une langue à l'autre, est le mot papillon.

A Londres, butterfly semble être une contrepèterie du verbe to flutter by, "voltiger légèrement dans les airs", ou plus prosaïquement la "mouche du beurre", tandis qu'à Berlin, Schmetterling se fait onctueux comme la crème dont il tire son origine.

D'après une légende slave, notre lépidoptère serait une réincarnation de sorcières trop gourmandes de produits laitiers. C'est sûrement pour cela qu'il se dit douchika, "petite âme", dans certains dialectes russes ou bien babochka, un diminutif de baba, la grand-mère, dans la langue russe.

Brassens

Le papillon est pétale (Petaloudia) à Athènes, ou "la Santa-Maria qui se pose" en espagnol (mariposa), farfalla à Rome, borboleta à Porto, pinpilinpauxa à Bilbao, drugelis à Vilnius ou vlinder à Amsterdam.

Papillons est aussi le titre de l'opus 2 de Robert Schumann, écrit entre 1829 et 1831...

Robert et Clara Schumann

Cette suite de 12 pièces pour piano évoque un bal masqué inspiré du roman Flegeljahre de Jean-Paul.

Papillons de Schumann, par Samson François

L'écrivain allemand Jean-Paul ( pseudonyme de Johann Paul Friedrich Richter) est né en 1763 et mort en 1825.

Johann Paul Richter, dit Jean-Paul

A Weimar, il côtoie Schiller et Goethe. Bien que cet écrivain romantique est aujourd'hui tombé dans l'oubli, il fut une des grandes références de Schumann...

Robert Schumann, dit Bob...

Au fait, joyeux anniversaire!
200 ans, ça se fête!